Loro Piana è parte del colosso del lusso LVMH Moët Hennessy Louis Vuitton SE, al cui vertice troviamo Bernard Arnault, che secondo il Bloomberg Billionaires Index vale 202 miliardi di dollari. Un brand esclusivo, per persone benestanti di certo, fondato nel 1924, con un heritage non da poco e una risonanza mondiale.

Eppure qualcosa nel mondo di questo quiet luxury ha fatto rumore. Bloomberg è uscito con un report che incolpa Loro Piana di non aver fatto abbastanza per le popolazioni indigene che offrono e lavorano la “fibra degli dei”, “inaccessibile ai più in virtù della sua rarità e della sua bellezza”. Insomma, non li ha pagati al netto dei guadagni, anzi, si puo quasi dire che la popolazione delle Ande abbia vissuto di volontariato. I soldi sarebbero invece finiti nelle tasche di una delle persone più ricche al mondo, il caro Bernard Arnault appunto, e tutto l’entourage del marchio di Loro Piana. Almeno questo è quanto emerso dallo studio di Bloomberg.

Ma partiamo dalle origini.

A produrre questa fibra pregiatissima sono le viçuna, camelidi che pascolano nelle Ande meridionali. Non è il primo materiale pregiato utilizzato dalla casa di moda italiana, anzi. Franco Loro Piana amava infatti andare in viaggio a scovare nuovi materiali, tra questi ricordiamo il fior di loto in Myanmar, la lana merino in Australia, il cashmere e il baby cashmere in Mongolia e Cina. Tuttavia, Bloomberg ha scoperto un vaso di Pandora: il maglione pregiato di viçuna viene venduto nei negozi dei centri nevralgici della moda per 9.000 dollari mentre la popolazione indigena, tutta, ne riceverebbe circa 280 per una quantità equivalente di fibra.

Una storia commovente quella delle viçuna e sicuramente di buoni intenti quella di Loro Piana se pagasse i suoi dipendenti in maniera equa. Intorno al XX secolo le viçuna erano a rischio di estinzione a causa dei bracconieri che le uccidevano e le scuoiavano piuttosto che tosarle. Il commercio della lana è stato bandito nel 1969. In seguito, e fortunatamente, un trattato internazionale ha ripristinato un mercato legale, stabilendo che il reddito derivato dalle viçuna andasse a beneficio delle povere popolazioni indigene locali. Lucanas è la primissima comunità ad aver tosato le viçuna nel 1994, e da quel momento Loro Piana ne è diventata acquirente.

Secondo Bloomberg, le condizioni in cui versano le popolazioni andine è un film di fantascienza. Le case sono costruite con il fango, gli impianti idraulici sono inesistenti e i più anziani restano agricoltori di sussistenza a vita. I giovani, “più fortunati”, sono costretti a lavorare nelle miniere di oro non regolamentate. Nel 2018 uno studio commissionato dal governo ha rilevato che l’80% degli abitanti della città ha dichiarato di non aver tratto nessun beneficio dalla partecipazione della comunità al commercio. Da Loro Piana si attendono delle dichiarazioni.

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Moda e musica convergono a Cannes, dove la Maison Versace ha deciso di presentare la nuova collezione ispirata a La Dolce Vita. Amiche nel quotidiano e ora anche nel lavoro, Donatella Versace e Dua Lipa hanno celebrato la stagione del calor bruciante con la presentazione de “La Vacanza”.

Donatella Versace e Dua Lipa

Una passerella immersa in una piscina a sfioro e la luce calda e suadente del tramonto al Château de la Croix des Gardes sono bastati a trasportare le celebrità invitate in un sapiente mix tra l’estate italiana degli anni Sessanta e l’allure della Costa Azzurra, fatta di glitter e sensualità.

L’eredità della Maison, rivisitata e aggiornata, persiste per l’intera sfilata. Le bralette con fibbie con il logo della medusa richiamano la collezione FW92 di Gianni Versace, gli abiti metallici degli anni ’90 indossati all’epoca da Claudia Shiffer e Naomi Campbell attraversano la passerella di Cannes con un’aria più fresca e contemporanea su modelle del calibro di Irina Shayk e Vittoria Ceretti.

La palette spazia tra una femminilità infantile data dai colori pastello e la sensualità del nero come nella FW94; mentre la ricorrente stampa d’archivio con farfalle e coccinelle appare per la prima volta nella SS95 e nella campagna Versace Home.

Un altro tuffo nel passato è evidente nelle cuciture d’archivio di Gianni Nastro che ornavano il busto degli abiti ispirati alla collezione Primavera-Estate 2003, con nuovi dettagli cut-out.

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Bikini e costumi da bagno in spugna lasciano il posto a miniabiti scintillanti e a completi gonna e bralette color cotton candy, con due taschini attaccati a bretelle rifinite con teste di Medusa adatti ad un aperitivo bordo piscina.

Le stampe dominano anche nella Pre-Fall 23, i motivi a pois si combinano con coccinelle e farfalle che dipingono abiti di chiffon e pantaloni palazzo.

A coronare l’allure da Barbie Girl che ha attraversato l’intera collezione sono state le acconciature con grandi cotonature e fasce per capelli.

Nonostante l’accostamento fantasioso di gioielli a forma di farfalla, le ultime uscite in passerella hanno reso omaggio al nero e alla sua eleganza con abiti dal taglio semplice come quello indossato da Irina Shayk e abbinato ad un paio di décolleté bianche a punta.

La musica è da sempre un tema centrale nelle collezioni del brand, basti pensare ad artisti come Madonna ed Elton John, più volte testimonial del marchio, i quali non fanno apparire la nuova collaborazione con la pop star britannica un evento una tantum ma piuttosto un leit motiv.

Donatella ripensando al lavoro a quattro mani con Dua Lipa, sorridendo, dice: “È stato un lavoro duro, ma sentire questa voce accanto a me è stato fantastico. Dua è la donna di oggi, sicura e forte. Volevo che la collezione riflettesse ciò che accade nel mondo di oggi. Per me si tratta di divertimento, libertà e opulenza”.

“Abiti da vacanza, colori estivi, divertimento e libertà, ma anche un po’ di sfacciataggine! Ma abbiamo anche cercato di creare qualcosa di molto Versace, in modo che non sia necessario guardare l’etichetta per sapere di cosa si tratta”, ha detto Dua.

L’intesa tra Donatella Versace e Dua Lipa apre così un nuovo capitolo per la casa di moda che incorpora abilmente una strategia di marketing con l’esigenza di ridurre i canonici tempi di attesa. La collezione see now buy now è diventa disponibile null’e-commerce del marchio a partire dal secondo successivo alla fine della sfilata.

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Models and a Yorkshire Terrier present creations by the designer Mary Quant in London. (Photo by PA Images via Getty Images)

Dai primissimi anni del 1960, la dimensione artistica che seguì la rinascita economica, artistica e scientifica vide la moda come protagonista di un mutamento che lasciò gli ambienti comuni per entrare negli spazi privati quanto intimi della casa. Una casa spoglia da dover riempire, dove interviene il design, ma che chiama a collaborare ‘’la macchina dell’abito’’, chiedendo a questa di immaginare collezioni d’arredamento personalizzate. E la moda, di tutta risposta, accoglie l’invito rendendo così possibile la nascita del cosiddetto ‘’fashion living’’. Un primo contatto tra moda ed interior risale agli anni di Mary Quant, quando le sue flower print ricoprirono le mura del suo store londinese Biba: una scelta volta a guidare l’occhio del pubblico che vedeva sempre più l’abito come sinonimo di design e ‘’casa in movimento’’. Ma non fu la sola, anche Pierre Cardin e la sua passione per l’esotico lo resero un architetto d’interni per la sua villa nei pressi di Cannes, costruita ad immagine della sua multiforme creatività, dove il mobilio sembra abitare lo spazio ‘’quasi fosse una persona’’, come disse lo stesso designer nel 1992. Per poi raggiungere la suite del Ritz di Mademoiselle Chanel: un minuzioso lavoro di personalizzazione che rende iconico il dettaglio a distinzione dalle altre suite dell’albergo. Un binomio indissolubile, quello tra moda e design, che sembra servirsi del tempo per mostrarsi ogni anno diverso, rinnovato e sopratutto più solido, anche se i due coprotagonisti della scena si reggono su un fragile equilibrio, in un rapporto di sana invidia.

La moda invidia al design il Salone del Mobile, il suo carattere cosmopolita, l’affluire di compratori internazionali ed il via vai di giovani in coda per ore fuori dai padiglioni fieristici. Il design guarda di buon occhio alla moda la sua economia, il suo essere in anticipo sui tempi e la sua capacità di saper guidare il pubblico portandolo a sè. Entrambi sono i player del domani eppure nessuno dei due sovrasta l’altro, anche se a volte la moda impone l’andamento del design. Perché? Semplicemente la moda contamina il mobile, rivestendolo di stampe e loghi che precedentemente sono apparse su abiti ed accessori di svariate collezioni, creando il mito della collab. Un apporto visivo che supera lo scopo reale dell’arredamento, cioè saper organizzare lo spazio, per andare ad aggiungere la riconoscibilità e personalità al mobilio che diventa un ‘’guardaroba da esposizione’’. Spaziando dai tessuti scelti alle stampe usate, il design accresce le sue potenzialità, riuscendo a coniugare funzione e cura.

Una sistema consolidato, che non emargina la creatività, ma la avvicina sempre più alla quotidianità, mostrando le mille espressioni di questa. Ma per permettere che questa macchina del design continui il suo corso si deve chiedere, ancora una volta, il prezioso contributo del fashion, che di cifre è esperta. Sicuramente la moda smuove capitali e sa dove riporli, e tra questi sceglie il design, l’home design, rendendo questo come il nuovo occhiello per gli investitori. Dagli storici brand che hanno sempre sostenuto l’interior come Missoni, Etro, Fendi e Versace, pioniere nel 1993 del fashion-home design, fino ad arrivare ai più recenti N21 e Sunnei che collaborando con noti marchi dell’homewear mantengono vivo lo scambio culturale tra i due.

Ma anche guardando puramente alle collezioni, questo scambio ha alimentato l’immaginazione delle maison e dei direttori creativi che per primi guardarono al design superando lo stato fisico. Ne è dimostrazione l’Haute Couture 2014 di Chanel, quando negli spazi di uno spoglio appartamento andò in scena un omaggio all’architetto Le Courbusier. E ancor prima il Palladium Dress di Gianfranco Ferrè per Dior: una colonna palladiana a forma d’abito che apre l’occhio creativo all’immaginazione, e che ribadisce la vicinanza tra moda e design inteso come progetto. Un progetto che sin dal 1990 entra negli studi di designer ed investitori al quale ancora riservono attenzione e studio.

E sono sempre questi brand storici a rappresentare gli appuntamenti immancabili al Salone del Mobile, con più di 20 presentazioni che garantiscono il massimo della risonanza annuale, con esposizioni a porte aperte dove convivono passato e futuro a portata d’arredo.

E così, di anno in anno, i giorni dedicati al design si riconfermano un accurato stratagemma per portare pubblico al mondo del mobile servendosi della risonanza della moda. Una strategia spudorata? Diremmo più un piano ben studiato alla riscoperta del valore della collaborazione creativa.

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Arte e moda? Un connubio ben noto al più ampio pubblico, ma che ancora stride nel rapportarsi con la quotidianità, che predilige forma e funzione a taglio e creazione, cioè quel binomio di cui tutt’ora si nutre la Couture. Un quesito, sulla possibilità di incontro tra i due, che, per Schiaparelli, trova il tempo di uno show, debuttando a Parigi con la sua prima collezione pret-a-porter FW23, in una mitologia astrale fatta abito dalla fruizione immediata. A far da cornice lo scenario classico delle camere dell’Hotel Devreux, a pochi passi da palazzo Schiaparelli.

Ben poco, apparentemente, si nota di diverso dalle precedenti collezioni puramente Couture della maison che ancora coniuga il surrealismo della fondatrice con il realismo contemporaneo, ma avvicinandosi ed addentrandosi nella FW23 si denota un mutamento sorprendente. Dal taglio fluido al nero totale, alternato ai migliaia di accessori dorati, la FW23 di Schiaparelli di Daniel Roseberry riprende i suoi simboli e suoi miti, e in questo primo atto semplicemente riconferma l’immaginario della maison, ma spogliandolo di quella pesantezza dell’elitarismo couturiale.

Il designer rivela: ‘’vorrei portare il prêt-à-porter a un livello diverso da quello della Haute Couture, senza rinunciarvi. Vorrei avvicinare il mondo di Schiaparelli a quello quotidiano’’.

Un’impresa considerevole se si ripercorre la storia della maison, che sin dagli esordi rese noto il suo intento di ‘’artisticizzare’’ tutto quello che circonda l’uomo nella quotidianità, attribuendo a quest’ultima una nota giocosa quanto concettuale. Ma ‘’il concetto non si perde, si attualizza’’, spiega a tal proposito Roseberry, che dal suo arrivo nel 2019 ha sempre delineato per Schiaparelli un percorso in divenire, senza perdersi nelle mura storiche dell’archivio, ma al contrario creando un contrasto tra il prima ed il dopo, e quest’ultima FW23 ne è la dimostrazione.

Le giacche in denim si riducono di dimensioni, i pantaloni dal taglio sartoriale accompagnano stivali neri in pelle con inserti dorati, e la borsa spazia in forme e taglie, pur sempre rispondendo alla legge dell’utilitarismo.

È proprio quest’ultima categoria, la borsa, ad essere il simbolo di questo mutamento, spiega Roseberry, che in occasione della FW23 presenta la nuova ‘’Schiap’’. Già dal nome ricorda un’abbreviazione vicina al linguaggio delle nuove generazioni, che traduce l’immediatezza della sua pronuncia nelle dimensioni ridotte di una bag rigata in pelle a rilievo, con il logo a forma di fessura posta a chiusura del modello. Nostalgica? No, diremmo più pratica, perché non è impresa da poco quella di alleggerire un repertorio, come quello surrealista, di applicazioni e lavorazioni. Una rilettura a forma di borsa di quel mutevole equilibrio tra identità (quella di Schiaparelli) e contemporaneità.

E se nel frattempo i grandi compratori si domandano se esista un mercato ‘’ad incrocio’’ tra Crouture e prêt-à-porter per tutto questo, il direttore creativo e la maison continuano sulla strada del possibile, come fece nel 1927 l’impavida fondatrice quando creò la maglia Trompe L’Oeill, simbolo dell’ascesa della maison, che per prima rese indossabile cioè che ai tempi era considerato come un ‘’disegno su tessuto’’.

Così la mitologia che ha ravvivato lo Schiaparelli di Daniel Roseberry non scompare nel pret-a-porter, ma si contamina con la favola moderna, quella che si rinnova giornalmente, e che vede la donna come protagonista di narrazioni ready to wear.

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Così gli scatti 90s che esibivano la stampa posta a fodera di lunghi trench in gabardine indossati da una ventenne Cindy Crawford nelle prima campagne di Christopher Bailey, ora lasciano spazio ad una line-up di volti noti che si preannunciano come nuovi ambassador del brand: Skepta, Vanessa Redgrave, John Glacier, Liberty Ross, Lennon Gallagher, Shygirl, Jun Ji-hyun e Raheem Sterling. Giovani, (poco) ribelli e british, sono loro a rappresentare il domani di Burberry che compie più di cento anni, ma che imperterrito non si arresta al mutamento generazionale, come richiama la storica dicitura ‘’prosum’’ (‘’avanti’’), a sostegno di uno story telling che continua.

House friends e icone contemporanee riempiono lo spazio di scatti realisti ed estemporanei realizzati nei luoghi simbolo della capitale inglese da Tyrone Lebon, firma fotografica ben nota al neo arrivato Lee che lo richiama dopo diverse collaborazioni, affidandogli la comunicazione visiva. Ad accompagnare le foto appare anche il nuovo logo Equestian Knight, recuperandolo dagli archivi fotografici risalenti alla prima direzione creativa di  Bailey ed all’ultima di Tisci che lo usò per la scorsa collaborazione con Supreme.

‘’Vogliamo ricordare al nostro pubblico che Burberry è una storia che non si interrompe, ma si lascia scrivere dalle nuove generazioni’’ spiega il CEO Jonathan Akeroyd, ribadendo la vicinanza di Daniel Lee alla GenZ e preannunciando un nuovo periodo per il brand inglese che vuole raggiungere i cinque miliardi di vendite annuali. A sostenere l’impresa economica c’è la nuova produzione di borse con un ampliamento della categoria, il recupero del heritage, e la contaminazione 00s: tutte mosse strategiche per un nuovo riposizionamento nella fascia giovanissima, definita da Akeroyd come ‘’propulsore del domani’’.

Tradizione, contaminazione, ed englishness sono le tre parole che meglio spiegano l’arrivo di Lee da Burberry, ma la domanda persiste: sarà lui quello giusto per una nuova lunga e proficua tenure del brand? Sicuramente ora il brand è più british che mai, dagli uffici alla produzione.

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Per Louis Vuitton il 2023 è all’insegna del colore e della bellezza senza tempo.

La collaborazione tra l’artista giapponese, Yayoi Kusama, e il brand di lusso francese, si rinnova dopo undici anni con un progetto che celebra il potere dell’arte e della maestria artigianale, reinterpretando i pezzi iconici della Maison con i motivi caratteristici dell’artista: i painted, metal e infinity dots e gli psychedelic flowers. Un’idea che nasce durante la pandemia del 2020 e riprende la prima joint venture tra l’artista e la maison del 2012.

Un vero e proprio dialogo che rappresenta l’ossessione di Yayoi sin da quando aveva 10 anni: la ricerca dell’infinito, espressa artisticamente attraverso pois colorati, ipnotici e appunto, infiniti. Elementi carichi di creatività e che, con la loro forma senza confini, hanno conquistato e si sono fusi perfettamente con l’universo Vuitton.

Ecco che la campagna prende il nome di “Creating Infinity”. Un progetto che invita a guardare il mondo con gli occhi di Kusama, definita l’artista femminile vivente più influente, anche per quanto riguarda il rapporto tra arte e salute mentale, di cui l’artista ha sempre parlato liberamente. Difatti, l’ossessione verso punti e pattern ripetuti si dice sia frutto di allucinazioni uditive e visive di cui Yayoi ha sofferto fin da bambina. Problematiche che l’hanno portata a ricoverarsi volontariamente in un ospedale psichiatrico nel 1975 continuando comunque a lavorare con la sua arte.

Questa collaborazione è diventata, fin da subito, un fenomeno spettacolare che ha portato a un completo rebranding immersivo degli store delle principali capitali mondiali, arredati e trasformati dall’arte di Kusama.

A New York, la vetrina della boutique sulla Fifth Avenue, è stata allestita con un robot iperrealistico con le sembianze dell’artista intenta a dipingere dei pois sulla vetrata.

A Tokyo, invece, troviamo un mastodontico e insolito billdboard che, grazie a un effetto tridimensionale, consente ai passanti di notare l’iconico baule Louis Vuitton, aprirsi, con all’interno delle zucche animate e una riproduzione 3D della testa dell’artista Yayoi Kusama che osserva i passanti dall’alto del palazzo Shinjuku.

Mentre a Parigi, un’enorme installazione viene ospitata dallo storico palazzo degli Champs-Elysées in cui si trova la boutique della maison, ricoperto da pois colorati e da un’imponente Yayoi Kusama che li dipinge.

Ma il brand francese sceglie principalmente Milano. Il nuovo concept store Louis Vuitton di Via Bagutta, l’ex Garage Traversi, chiuso oramai da 20 anni, viene trasformato in un palcoscenico di animazioni che esprimono al meglio l’universo dell’artista giapponese. Il primo piano dell’edificio è dedicato agli special projects della maison francese tra cui proprio Creating Infinity. Pois neri invadono uno spazio giallo mentre le metal ball riflettono l’ambiente circostante in una sorta di ripetizione infinita.

Il chiosco di fiori vicino Via Bagutta si riveste di caleidoscopici pois che sembrano spennellati dall’artista. Infine, troviamo tre imponenti sculture in vetroresina a forma di zucca che riportano sempre i pois caratterizzanti di Kusama, posizionate su delle colline verdi in netto contrasto con l’architettura fascista di Piazza San Babila. Un’installazione che sarà visitabile fino a martedì 14 febbraio 2023.

Louis Vuitton si è impegnata nel ripristino, oltre che alla riqualificazione e cura di tutto il verde presente, nel rispetto del concept progettuale della piazza, attraverso una collaborazione tecnica della durata di un anno con il comune di Milano.

La campagna dedicata alla collezione LV x Yayoi Kusama è così imponente e significativa che gli scatti vengono affidati al fotografo Steven Meisel, con la direzione creativa di Ferdinando Verderi, famoso art painter, i quali hanno messo insieme una serie di top model in una festa di colori.

Per immergersi appieno in questo mondo, il brand ha lanciato diverse iniziative online attraverso la creazione di filtri per Instagram e Snapchat ispirati ai motivi di Kusama, sviluppando poi un gioco per mobile che permette agli utenti di visitare dei mondi straordinari alla ricerca dell’infinito, tramite un’esperienza di gaming esclusiva in realtà aumentata.

Attraverso questo notevole progetto, Louis Vuitton e Yayoi Kusama invitano ognuno di noi a entrare nel loro magico universo, riconoscendo l’arte come qualcosa di speciale che utilizza codici fortemente riconoscibili, in grado di parlare a tutti e connettere le persone di tutto il mondo attraverso il suo incredibile fascino.

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David Sims, autore degli scatti, guidato dal direttore creativo Anthony Vaccarello, si concentra sull’espressione accentuata dal silenzio fisico di una imperturbabile staticità, e l’abito sembra quasi sparire, diventando cornice, costume e scenografia nel medesimo tempo. ‘’L’abito è un costume che non conosce ripresa, non ricerca l’obbiettivo della camera, ma lo sguardo di chi lo indossa’’ spiega Cronenberg avvicinando il dibattito sull’esistenza di un cinema che si serve della moda ad un’altro sul ruolo della moda come costume scenico intessuto dell’esperienza. La comunicazione è resa efficace da un uso minimale dell’abito: i registi non indossano abiti di spicco della collezione, ma si adagiano su cappotti e maglie che semplicemente riaffermano l’immagine del ruolo del director, a volte nascosta dietro la cinepresa, a volte, come in questa, si mostra, sempre però, non rivelandosi del tutto, in fondo sono loro a conoscere la macchina, e sanno ‘’come prenderla’’.

Un equilibrio tra esposizione e introspezione, che guida l’occhio del pubblico in un noir avvincente. La campagna rappresenta il continuo dello story telling filmico al quale Vaccarello affida la sua comunicazione, un tributo velato alle amicizie del fondatore degli anni 70.

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Sono diversi i nomi noti che hanno saputo cogliere l’eredità artistica del brand una volta arrivativi, e su questa lavorare per poi ridare lustro alla maison, così da stabilire sin da subito un percorso che camminasse in parallelo con la storia del marchio. Da un ‘’never old’’ Tom Ford alla direzione creativa di Gucci, colui che ha avviato il brand al pret-a-porter, e che ha saputo cogliere dall’ampio archivio fino a quegli anni fatto di pelletteria, valigeria e accessori l’identità di Gucci, coniugandola all’estetica 90s, dominando la scena. Fino ad arrivare ad un più recente Nicolas Gasquiere che con un approccio graduale e non invasivo, ha permesso a Louis Vuitton di fare il grande salto nel futuro, cogliendo l’anima trasformista della maison che, sin dai primi tempi di Marc Jacobs, ha sempre lavorato sulla contaminazione artistica, antesignano della contemporanea definizione di ‘’collaborazione’’, la moda si è costruita in un rapporto di coesistenza tra ‘’regola ed estro’’. Ma quando la guida diventa imposizione, il fragile equilibrio che lega il creativo alla maison d’appartenenza viene inclinato da un mercato sempre più decentrato con più richieste, che ricerca nel presente i risultati del domani. Così i giornali parlano di Alessandro Michele che cede l’onerosa guida di Gucci ad un inimmaginabile successore, proprio perché il CEO richiede un passo in più che Michele ritiene prematuro, ed ancora uno più storico Jean Paul Gautier che lascia ai nuovi talenti la guida stagionale della maison, perché ormai ‘’too old to be cool’’. Ma non è nel passaggio di mano a vivere la sconfitta, ma nell’accettazione del progresso ha risiedere il successo e la sopravvivenza della creatività. Basti guardare al post Chanel senza Gabrielle, con un brand che riscopre di collezione in collezione la biografia della sua fondatrice, ma anche alle annate di Dior: dalla teatralità di Galliano al femminismo di Maria Grazia Chiuri, ognuno interprete dell’identità in una sua propria lingua, formatasi dalle esperienze personali del direttore creativo, che in un certo senso contaminano l’heritage del brand.

Eppure tutta questa innovazione sembra allentare la presa del mercato che vuole essere guidato in una crescita e non trasportato nell’immediato futuro. Come riporta il Financial Time la moda richiede certezze, e così i pochi ma resistenti designer che decidono di portare avanti il proprio brand, senza affidarsi ad una creatività imposta e guidata, si ritrovano a confrontarsi con le mura del profitto, ma ancor prima con gli investitori che si rifugiano nei grandi nomi. Questa fuga di fondi di investimento non è data da una scarsa fiducia nel futuro, ma più dalla consapevolezza del tempo richiesto per consolidare il nome di un nuovo brand per poi potersi posizionare alla pari dei colossi storici. Ma la creatività, quella spontanea, viene ancora protetta e sostenuta, e sono proprio i grandi nomi come Valentino e N21 ad offrire il loro supporto alle nuove generazioni, come Act N1 e Nensi Dojaka, con spazio per allestire gli show, media coverage, e fondi di ricerca. Anche grazie a piattaforme come Gucci Vault nate per dare una luce in più a quei neo brand in cerca del loro spazio.

Fiducia, sperimentazione ed un immancabile occhio sul domani permettono il progresso della creatività, che si impossessa dell’esperienza per immaginarsi unica e diversa.

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Il viaggio: un tema ricorrente nell’immaginario della moda. Una scatola impermeabile capace di trasportare l’immaginazione alle porte del possibile.
Un percorso che si accompagna a due misure universali come lo spazio ed il tempo, e nei quali naviga agiatamente, ma che a volte, come due mari, si uniscono. E proprio dove questo mare bagna le spiaggie di una ignota località della West Coast, la nuova campagna di Gucci dedicata alla valigeria prende forma, sotto l’occhio filmico di Glen Lunchford (movie e campaign director di diverse collezioni del brand): un omaggio ed uno spunto di riflessione sull’idea di timeless.

In occasione del debutto della valigeria GG Supreme, il CEO del brand, Marco Bizzarri, articola un dibattito tra nuovo e timeless, come risposte pratiche alla crisi post-Coronavirus. Secondo Bizzarri la valigia connessa all’idea di viaggio è l’immagine di una società contemporanea che in tempi di crisi rifugia nel classico per ritrovare le proprie origini, come avviene nella campagna dove l’heritage e l’artigianalità di Gucci sono espressi dall’iconico logo e stampa che rivestono la collezione. Il giornalista Robert Williams parla di timeless come crescita incessante che non corrisponde ad una sperimentazione, ma ad un recupero e progresso, che si ritrovano nei codici del classico, ai quali si dovrebbe far sempre riferimento nell’incessante processo di creazione. Ma nel presente tutto sembra nascere con una data di fine, come se la stessa definizione di atemporalità non esistesse più.

Lo stesso classico spessso viene definito come vecchio ed antiquato, e nell’era precedente a quella di Alessandro Michele, Gucci era l’immagine di una moda che non muta ma che si nasconde dietro gli stilemi dell’archivio: una mossa che  porta ad una perdita della solidità del nome ed un inflazione del valore del prodotto, come spiegato da BOF.  Lo stesso Williams sostiene che deve esistere un’equilibrio tra le richieste del mercato desideroso di innovazione, e l’iconografia classica, e tutto ciò è reso possibile dall’introduzione dell’idea di timeless: capi ed oggetti che si adeguano ad ogni anno, senza appartenere a nessuno. E a completare il quadro che ritrae una moda (nel senso più ampio) senza tempo, la sostenibilità è l’ultimo tassello capace di coniugare l’estetica all’etica, rendendo un capo durevole. Un segreto che assomiglia ad una strategia di collocamento del prodotto, proprio come la valigeria che si aggiorna nella sua estetica ma rimane fedele alla forma d’origine, senza annullare il linguaggio artistico della moda. Proprio per questo, in una rilettura della video-campaign del brand si può notare come anche il regista Lunchford attinge dal passato e dai classici di una volta, inserendo richiami al cinema neorealista italiano e a quello avanguardista della fine 80s, per ribadire un ‘’senza tempo’’ che si arricchisce dall’esperienza per affermarsi.

La sostenibilità, l’artigianalità e l’innovazione sono i principi del domani ai quali,  secondo il direttore creativo Michele non si può guardare singolarmente ma solo come parti del tutto. ‘’La valigia mi ricorda luoghi lontani che rimangono vivi nella mia mente’’ spiega Alessandro Michele, ‘’tutto è legato ad un tempo indefinito ’’, e continua Bizzarri dicendo: ‘’prima si era alla continua ricerca di un’evasione, ma ora in seguito alle regole imposte per il combattimento del Coronavirus, si è riscoperto il valore del passato, dell’icona, e la moda si serve di questo per riscoprirsi senza tempo’’.

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Uno show statico, un ricordo nel ricordo della legacy e della storia della maison che mette in mostra 200 creazioni firmate dal fondatore, allungando sempre più una time line già lungamente estesa. Ma è proprio nelle parole dell’attuale direttore creativo PierPaolo Piccioli a rivivere l’unione tra la storia e Valentino: ”abbiamo visto un impero mutare, proseguire, curandosi sempre del tempo e senza mai perdere la voglia di affermarsi, e per questo Valentino non appartiene alla storia, è lui stesso a crearla”, parole che spiegano il segreto di anni di protagonismo.

Nel 1959, anno della nascita del brand, non si sapeva quel che sarebbe stato un domani, ma si creava con la determinazione a voler scrivere quel futuro, e non solo ad esserne partecipe. Lontano dall’essere una retrospettiva, Forever Valentino mantiene vivo il desiderio di futuro che guarda al passato come principio e non come arrivo.

Un omaggio al lavoro di un brand che da sempre si distingue per massimalismo e collaborazione artistica, illustrato in dieci camere, nelle quali i curatori Massimiliano Gioni e Alexander Fury, sintetizzano una ricerca durata mesi, contaminando l’immaginario rosseo iconico con le tinte accese delle ultime collezioni, in una conversazione possibile tra Mr.Valentino e PierPaolo Poccioli, rispettivamente il prima ed il dopo della maison, riletta in due codici che seppur diversi sono l’uno il proseguo dell’altro.

Così, tra tessuti satinati e forme fluide, Valentino si narra come mai fatto prima, aprendo le porte al ricordo, in uno storytelling avvincente.

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Spesso si sottovaluta la capacità dell’invito nel preannunciare il tema, la ricerca della collezione, perché sembra essere puramente una strategia di comunicazione volta a sorprendere ancor prima di incuriosire il ricevente. Un biglietto che si può paragonare a quello di un volo, a quello di un viaggio in una realtà ignota, un primo passo verso il check-in in uno storytelling visivo e tridimensionale volto a trasportare il guest alla porta d’accesso di questo mondo.

E alla fine del viaggio, dopo che le luci si spengono che rimane di quel ‘’ticket to a new world’’? Forse, quel viaggio non si esaurisce in 15 minuti, e non è l’ultimo look a svegliare lo spettatore riportandolo al quotidiano, ma bensì resta una chiave d’accesso ad un ricordo, come se fosse un souvenir di uno short trip che dimostra ‘’io c’ero’’, quando quella pagina di storia veniva scritta si era lì testimoni del compimento poetico.

E così per ripercorrere nuovamente le tappe più iconiche di un viaggio tra New York, Milano e Parigi, questi sono gli inviti che hanno lasciato un segno, anche solo una piega, sul passaporto dell’immaginazione.

Balenciaga FW22

Il rapporto, a volte conflittuale, tra moda e tecnologia è un tema che viene continuamente alimentato da un sostegno reciproco, e Balenciaga con il ‘’Think different’’ di Steve Jobs si pone da tramite tra i due mondi. Per la FW 22 attua il ragionamento di Jobs facendo la differenza con il suo invito: un I-Phone 6 con sul retro inciso luogo e ora dello show. Il richiamo all’era techno avviene in un momento di ‘’totale digitalizzazione identitaria che passa in una classificazione del dato’’ come spiega Demna Gvasalia, ‘’ed il telefono è lo strumento a servizio di questo distopico sistema’’.

Gucci FW20

Se la digitalizzazione della comunicazione invade anche la carta scritta, allora l’invito per la FW20 di Gucci ne è la dimostrazione. Un messaggio telefonico che recita: “Ciao, come stai? Tutto bene. Stavo pensando che se tu fossi a Milano il prossimo mercoledì sarebbe bello se venissi qua al Gucci Hub per il fashion show. Fammi sapere. Baci.” Un messaggio familiare, amichevole, quasi confidenziale che si allontana dalla formalità dalla carta stampata e che si avvicina ad una generazione che vive su frequenze alterne.

Louis Vuitton FW20

L’orologio di Louis Vuitton, primo di una serie di collectibels objects che si allinea con la collezione FW20 della maison uomo guidata (al tempo) da Virgil Abloh. L’orario segnato è sempre lo stesso: quello indicato dal logo del brand, e dalle lancette che si muovono a ritroso. Il messaggio non è nostalgico ma analogico: “Un orologio rotto segna l’ora giusta due volte al giorno”.

Brognano SS20

Ogni show è un mondo sconosciuto al quale accedere con la chiave corretta: è il caso di Brognano che per la sua SS20 recapita chiavi d’hotel ai suoi guest. Il messaggio è chiaro, quello di predisporsi all’entrata fisica ed ideale in una collezione presentata in una suite di Palazzo Bovara. Una camera sigillata che allontana gli occhi indiscreti e che si apre solo ai temporanei ospiti di questa collezione dalle tinte metalliche.

Gucci Aria

Alle fine l’ideazione di un invito richiede inventiva e innovazione, anche quel tocco ludico capace di divertire ed estasiare il pubblico. Gucci per la sua collezione Aria realizza un giornale a quiz, il Gucciquiz, realizzato con la collaborazione di Keesing PRS Italia, dove tra gaming e iconografia si svelano i richiami artistici che vivono dietro gli abiti successivamente presentati in versione digital. Messaggi nascosti ed informazioni da decifrare sono l’obiettivo del giornale-invito, volto a far interagire il pubblico con il brand, avvicinandolo alla collezione che si spiega nel tempo di un quiz.

Prada FW20 Man

E se l’invito fosse indossabile? Prada ha sperimentato anche questo, creando un pyjamas bianco profilato nero che riporta la stampa con su scritto tutte le informazioni inerenti all’appuntamento per la collezione FW20 man. La scelta di creare un abito-invito si avvicina all’obbiettivo di rendere il suo ricevente ambasciatore del brand, di renderlo partecipe di una storia che si narra usando il ‘’noi’’ e non più il ‘’voi’’. Un’inclusione che si traduce in tessuto e logo, che non guarda al genere ma all’uomo.

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Genio e sregolatezza?

Ma è realmente così? Siamo realmente capaci di affidare ad una figura così contraddittoria il nostro giudizio estetico ed etico? La risposta è molto più articolata di un secco si e di un secco no, perché scavando a ritroso dobbiamo ricordare che è stato il suo stesso pubblico ad elargirlo con onori ed oneri e che ora sembra richiedere indietro la corona.

Era il 2008, quando durante la stagione degli show di Parigi, un giovane gruppo di ‘’black lives’’ protestava, silenziosamente, fuori dai grandi nomi della moda perché nelle maison erano pochi se non inesistenti i designer di pelle ‘’non chiara’’. Tra questi vi erano West e Virgil Abloh, i quali avrebbero un domani raggiunto posizioni elevate in un sistema che definiremmo più inclusivo. Già da quel momento West avrebbe coniato una moneta di scambio con il pubblico, che non sempre si vedeva usare nella moda che per quanto ideale risponde sempre alla pratica e spudorata legge del mercato, ovvero la verità celata, quella che nessuno vuole narrare, ma che solo lui è determinato a mostrare, fatta di denuncia ed emancipazione sociopolitica. E da lì un susseguirsi di collezioni del suo brand Yeezy, che, tra colori neri e rosei, quasi a seconda pelle, e forme over boxing, propugna un messaggio di rivoluzione, che lui annuncia a nome di una speranza incessante, che però dagli ultimi eventi appare segnare un’involuzione, cioè un ritorno indietro, verso le origini, che a guardarle ora sembrano così distanti e diverse, mutate al passo dei tempi.

Le maglie ‘’white lives matter’’, lo show fatto di giovanissimi appena compiuti i dieci anni, i cori mistici che risuonano tra shapes ‘’ispirate’’ dai grandi maestri come Rei Kawakubo e Yamamoto: ma, allora, non doveva essere lui la guida verso il progresso e l’apertura? Dove sono finiti i principi liberali? Non è dato sapersi, forse sono stati smarriti lungo un percorso che non ha mai incontrato un confronto ed un ostacolo, continuamente elogiato dai media e amato dalle firme dello star system del quale ricordiamo far parte, da ancor prima del suo arrivo nel regno dell’abito, in veste di cantante. Solamente ora la press coverege sta allentando i propri rapporti con il designer, il quale non manca in scontri social, come quello rivolto a Lynette Nylander, executive editorial director di Dazed Media, che lo aveva definito un uomo irrisorio dai principi volubili, al quale West ha risposto con illazioni e critiche, proprio lui che l’aveva invitata come guest al suo ultimo secret show.

Una poetica dell’assurdo alla Kanye West dove tutto ha un espediente morale ed è volto ad un insegnamento che non può e non deve giustificare il mezzo.

Tra verità e alterazioni del vero, Kanye West, per gli amici detto anche lo ‘’Steve Jobs della moda’’, non è altro che una riconferma di quanto il potere risieda nel pubblico che in pochi e semplici gesti, dall’acquisto al post su Instagram, può consolidare un meccanismo accentrativo sul singolo, eletto a sovrano di una realtà sdoppiata con la quale dobbiamo fare i conti.

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Contrastante, altera, a volte spregiudicata: Londra è la casa della pura sperimentazione fatta di creazione e mistificazione del concetto di abito. Un luogo capace di attrarre a se giovani designer che la scelgono come principio del loro percorso creativo, anche grazie ai percorsi di formazione che la capitale inglese offre, rimanendo, anche un domani, lo scenario ideale dove potersi esprimere. E così la London Fashion Week , nella sua istituzionalità, si fa da presta voce a nomi nuovi che vivono per la prima volta il sistema facendone parte.

Da Molly Godard a Stefan Coke, ma anche gli internazionali JW Anderson e Raf Simons: sono tutti nomi che hanno fatto di Londra il loro luogo di nascita e ancora adesso scenografia di collezioni dal ‘’british touch’’. Ma quali sono i nomi dei quali, nonostante apparizioni sul calendario, copertura mediatica, e risonanza internazionale, non si sente ancora parlare abbastanza?
Questa è una short list di quelli che meritano l’attenzione, anche solo un colpo d’occhio, perché spesso parlano e altrettanto spesso non vengono compresi a pieno.

Harri

Ludico, ironico ma anche riflessivo e atemporale: il brand Harri si muove in uno spazio indefinito, attingendo dagli anni 60 per forme e stampe e dagli anni 80 per le costruzioni a contrasto. Un futurismo tutt’altro che pratico, che ricorda le prime collezioni di Courreges, dove l’abito era parte della scenografia, ma che in Harri muta in una scena dalle forme ricurve, come i suoi pantaloni balloon. L’omonimo designer ci invita ad osservare la realtà con gli occhi dell’assurdo, del possibile, ricordando a chiunque che dentro di se si nasconde un immaginario incomprensibile all’esterno, che è proprio e personale e per questo inspiegabile senza misurata autoironia e matura giocosità.

www.harri.com

Chet Lo

La tridimensionalità dell’abito è uno dei suoi segni distintivi e con le sue maglie sporgenti ridefinisce la fisicità del corpo. La sua estetica è l’incontro tra Occidente e Oriente in una narrativa modernista, che si rifà ai vecchi movie fantascientifici d’autore, includendo anche qualche corrente queer contemporanea. Decisamente attuale, il messaggio dietro ogni collezione di Chet Lo è lo stesso, quello di non smettere mai di scoprirsi ed immaginarsi diversi.

www.chetlo.com

Feben

In Feben l’innovazione ancor prima di essere nella shape, è nella texture e nei pattern scelti. Un’estetica ‘’a recupero’’, che si avvale della vivacità di tessuti per sostenere una moda a ‘’riuso’’, i cui materiali provengono da luoghi lontani. Dal Sudamerica all’Oriente, il suo è un immaginario composito che incontra il surrealismo e un desiderio di escapismo, cioè quella continua fuga in cerca di un luogo sicuro, che deriva dalle sue esperienze personali di migrante. Profuga per anni, la designer spiega che le sue collezioni nascono per guidare la donna, accompagnandola ovunque lei voglia, in un sodalizio che sa tanto di sorellanza abito-donna.

www.feben.com

Eudon Choi

Cosi formale e tailor-made che l’intera Saville Road sembra guardare ad EudonChoi con ammirazione. Un immaginario dove il genere si confonde e lascia spazio ad un’esile femminilità a tratti maschile, con camicie e abiti destrutturati che mostrano una predominante fluidità in tagli e proporzioni. Per il brand inglese la tradizione del Regno Unito, fatta di completi sartoriali e costumi locali, è motivo d’orgoglio e va preservata, quasi custodita nelle collezioni di chi, ad ora, porta avanti il nome del ‘’Made in UK’’. Di certo un nome consueto per il calendario di Londra, risuonante già tra i media, ma che ancora non si riconosce alla guida della nuova generazione, ma solo dopo i nomi illustri.

www.eudonchoi.com

Susan Fang

Come in una favola vestita di drappeggi e tinte rosee, per Susan Fang l’abito ha il compito di proiettare su ogni donna il suo lato fragile, infantile nascosto dietro sovrastrutture che la società contemporanea impone. Un invito a ritornare fanciulli, a sperimentare su di se immaginandosi altro, come se ognuno fosse autore ed interprete della propria commedia disillusa. Un finale disincantato che ad ogni collezione ricorda al suo pubblico di quanto la fragilità dell’Io sia un bene prezioso, dove ogni abito è esemplare di una proprio ordine interiore.

www.susanfang.com

Dilara Findikoglu

Non esiste sensualità senza corpo. In Dilara Findikoglu la musica delle linee curve della fisicità femminile si alternano al silenzio di stupore dell’eros, nascosto ma esistente. In poche, ma già note, collezioni è riuscita a spodestare il giudizio critico dell’uomo a favore di una di un agiato e disinibito erotismo che si allontana dallo stereotipo del nudo esplicito per incontrarsi con uno più percettivo fatto di usi e costumi. Tutto è velato dietro completi di lurex scivolato e trasparenze pacate, alternati a richiami di kimoni e costumi orientali, che celano il mito terreno del corpo come desiderio.

www.dilarafindikoglu.com

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La storia si ripete

Una scelta che coincide con un desiderio di rinascita ed innovazione ma anche un atto di profondo rispetto da parte del neo direttore creativo, che vuole creare un Ferragamo dall’approccio immediato, avvicinandosi alla Gen Z. Così alla vigilia del suo debutto il 24 Settembre con la SS23, Davis si appresta a modificare il concetto di lusso in un’accezione più tecnica e pratica, annullando sempre più quel divario tra artigianato, di cui il brand è ambasciatore, e innovazione, a lungo viste come inconciliabili e antagoniste.

E se ormai il nome di una maison è di per se la maison, allora Ferragamo è protagonista di un processo di ampliamento identitario e culturale, scegliendo un logo leggibile e fruibile dai media e dal mercato, con un nuovo font ‘’senza grazie’’ (precisamente sans serif come lo leggerebbe un computer), il quale nome ricorda i tratti caratteriali della nuova generazione alla quale si rivolge: disillusa e minimale.

www.ferragamo.com

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Oggi, che il sogno che era tutto nella mante di Anja ha preso vita, mi sembra giunto il momento di raccontare tutta la storia. Fin dagli inizi, perché questa possa essere di ispirazione e di aiuto a ogni giovane designer che si batte per realizzare il suo brand

Ecco l’intervista!

Partiamo dall’inizio Anja. Le tue origini e l’amore per la moda. Come nasce e come l’hai portato avanti?

Ricordo che da bambina mia madre aveva enormi librerie, per lo più di classici russi, e nello scaffale più basso (il più raggiungibile per la mia altezza in quel momento) c’era una pila di riviste, riviste di moda, Vogue – il mio preferito uno che ha attirato la mia attenzione è stato con una copertina di top model degli anni ’90 – le mie preferite erano Cindy, poi Naomi e Linda, e mia madre adorava Claudia Schiffer, dato che sono entrambe bionde Poi, quando era una studentessa perfetta, mio ​​padre lo faceva chiedimi spesso quale regalo voglio dopo che lui viene dal lavoro, e io chiedevo solo un mucchio di tutte le riviste di moda che poteva comprare all’inizio di ogni mese. Più tardi, è arrivato il canale Fashion TV in Russia, e guardavo le sfilate e le modelle come ipnotizzata. I miei fratelli litigavano con me per questo, non capivano cosa trovassi di interessante in alcune ragazze che camminavano su una passarella con un po’ di musica (musica techno of course) in sottofondo.

La scelta di trasferirti dal Montenegro all’Italia, come l’hai vissuta? E’ stata supportata dalla tua famiglia o hai dovuto combattere per questa?

In realtà era più il contrario, ho vissuto più in Italia che in Montenegro. Il Montenegro è la mia patria, con una natura bellissima, ma non un posto dove non mi piacerebbe mai stabilirmi.

Mi sono trasferito in Italia dopo Russia e Belgrado (ex capitale Yu), all’età di 21 anni, per aver seguire 2 Master a Milano e poi due stage.

Il primo master alla SDA Bocconi è stato legato all’attività familiare in ambito sanitario, quindi i miei familiari ne sono rimasti molto contenti. Il secondo, nel business della moda, è stato guadagnato grazie alla mia forte insistenza.

Come è nata l’idea di creare un tuo brand di calzature piuttosto che di abbigliamento o altri accessori? Era quello il tuo sogno fin dall’inizio? Oppure è un’illuminazione che ti è arrivata dopo?

Vabbè, il sogno è uscito da un incubo. Stavo attraversando un periodo molto difficile della mia vita. Fu allora che mi sono ispirata e ho disegnato una “Donna Cactus” che si stava proteggendo dal mondo con delle spine, eppure all’interno della sua corazza era succosa, appariscente e vulnerabile. Dopo aver disegnato lo schizzo, mi sono reso conto (avendo anche una mente per gli affari) che la parte “stivali di cactus” di un costume avrebbe funzionato alla grande come idea di un nuovo marchio.

Quando è stato il momento che ti sei detta: è ora di partire?

Dopo alcune meditazioni spirituali che ho avuto in Thailandia, ho compreso che il mio vero destino è quello di  affrontare la moda, anche attraverso l’emancipazione femminile, senza seguire quello che la mia famiglia aveva pianificato per me.

I primi disegni: hai azzeccato subito la forma giusta e l’idea, oppure la forma con la quale hai caratterizzato la tua prima collezione e quindi il tuo brand è venuta dopo? Quando hai capito che era il design giusto?

Sapevo fin dall’inizio che quella forma era quella giusta, tacco alto e plateau alto con l’inclinazione che sembra sexy ma permette a chi la indossa di sentirsi molto a suo agio, dando potere alla donna, dal giorno alla notte.

Hai anticipato un trend…ne abbiamo parlato diverse volte: quello di queste particolari scarpe con una zeppa molto alta sotto la parte frontale, e un tacco a disegnare una sorta di ‘galleria’ se cosi possiamo raccontarla. Una scarpa dalla forte personalità, ma allo stesso tempo comoda da indossare.

Il CACTUS BOOT ha un mood ribelle contro le silhouette deboli. È a malapena lì, ma riveste distintamente la gamba in lussuosa pelle di vitello.
Realizzato con un’attenta attenzione alla costruzione del tallone e dell’arco plantare, “Arco dell’Infinito”, ci ricorda la scrivania-cena (dal tramonto all’alba) e l’infinita vestibilità di una scarpa.

Il fatto di vedere comparire sul mercato, prima che tu potessi presentare al mondo la tua linea, ma altri stilisti famosissimi che sono usciti con questo trend, ti ha fatto piacere, oppure ti è dispiaciuto perché non hai avuto modo di anticipare il trend stesso?

Mi sono sentita molto triste nel vedere che la tendenza stava emergendo mentre ero bloccata nel primo blocco della pandemia in Montenegro. Non ero sicura di quando sarei potuta tornare in Italia e quando la fabbrica che produceva le mia scarpe sarebbe tornata a regime. Poi lentamente ma inesorabilmente ho continuato la produzione, mi sono abituata all’idea che la mia idea fosse una tendenza prima della tendenza, ed è solo importante avere pazienza e lavorarci sopra senza perdere la speranza e la fiducia.

Le tue scarpe in realtà hanno qualcosa che nessuno ha, una parte staccabile che le trasforma da basse a stivali molto alti. Permette di customizzarli e di acquistare pezzi intercambiabili per renderle uniche ed evolverle nel tempo.
Raccontaci questo concetto

CACTUS BOOT è stato creato per incoraggiare la diversità nell’identità. La collezione è genderless e le estensioni delle gambe sono regolabili in base alla lunghezza e si adattano alle taglie XS-XL. Ho visto così tante tipologie di ragazze diverse tra loro eppur tutte bellissime bellissime, perché le loro taglie di jeans sono diverse, così come le estensioni delle gambe che il nostro modello puo’0 proporre.

Un altro punto personale: viaggiavo molto prima del Covid, avrei avuto un’intera valigia solo per le mie scarpe, diverse lunghezze di scarpe abbinate alle diverse lunghezze degli abiti.. era molto fastidioso. Allora, perché non avere uno stivaletto perfetto e il prolunga gamba regolabile in 2 diverse lunghezze per un viaggio?? Quelle sono 3 paia di splendidi stivali in pelle di nappa alla fine. Per una donna forte in movimento, mi è piaciuta l’idea di darle la possibilità di scegliere se acquistare stivaletto e e un estensione per la gamba insieme,  da usare combinate o, separatamente, quando lo sente.

Vorrei sottolineare un altro punto che so essere per te molto importante: il concetto unisex, o meglio genderless dei tuoi prodotti. Raccontaci la tua visione su questo punto.

I primi tacchi furono effettivamente indossati dai macellai britannici nel XVI secolo, quindi nessun uomo dovrebbe averne paura. Potremmo vedere i tacchi indossati anche dagli uomini nella cultura pop e rock. Ma, personalmente parlando, la mia decisione è stata ispirata dai miei amici gay, li amo tutti, non posso contare quanti uomini – gay ho avuto nel mio letto a Milano, ma odio quando “cercano” di mettere i loro piedi nelle mie scarpe col tacco alto, quindi la decisione di creare degli “stivali cactus” nelle taglie fino alla 46 è stata abbastanza naturale per me.

I primi tacchi furono effettivamente indossati dai macellai britannici nel XVI secolo, quindi nessun uomo dovrebbe averne paura.  Potremmo vedere i tacchi indossati anche dagli uomini nella cultura pop e rock

Scherzi a parte, Anja Zecevic Milano è sinonimo di uguaglianza di genere, quindi non solo autorizza le donne a sentirsi sexy ma sicure e forti quando indossano i tacchi con plateau, ma anche gli uomini, che sono disposti a indossare gli stivali, che desiderano. Ognuno dovrebbe essere libero di indossare lo stile che desidera.

Ora un altro punto fondamentale. La ricerca dell’azienda manifatturiera che ha potuto appoggiarti nella produzione per ottenere il prodotto, esattamente come lo immaginavi e con la qualità impeccabile che cercavi. E’ stato facile o difficile trovare il giusto produttore? E quanto lavoro c’è stato in sinergia con loro per trovare il modello ‘perfetto’?

La mia forma è completamente diversa. Prima che la proponessi io non esisteva nella produzione in Italia, quindi essendo una giovane designer montenegrina, mi ci è voluto molto tempo per trovare una fabbrica di lusso che credesse nella mia forma inesistente e investisse tempo per produrla, pur avendo già milioni di ordini da Bottega e Gucci. Ho girato tutta l’Italia dal Sud al Nord, e alla fine ho avuto la fortuna di trovare un produttore a Parabiago, esattamente lo stesso che produce per Hermes.

Ho visto che è uscito il tuo sito. Chi curerà la parte fotografica e creativa che accompagnerà il lancio del prodotto?

La nuova campagna digitale è stata ispirata dalla Lucciola. Dato che ho perso mio padre quest’anno, stavo cercando la prova e la speranza di una vita infinita. Le lucciole nella cultura orientale lo rappresentano. Sono stato ispirato dal fatto che il nostro esterno appare come il mio cambiamento, ma l’essenza dentro di noi non lo fa mai. La campagna è stata realizzata da un team straordinario: la fotografia di Nicholas Fols e la videografia di Cristiano Pedrocco, mentre la scenografia di Luigi Battaglia a Milano.

Quando potremo comprare finalmente le tue scarpe e quale sarà la fascia prezzo?

La mia capsule collection “Cactus boots” è ora disponibile esclusivamente online su www.anjazecevicmilano.com al prezzo di 760 euro per un paio di stivaletti platform, spedizione inclusa! Le extension regolabili per le gambe sono attualmente disponibili per il preordine, anche online, al prezzo di 120 euro. Ho iniziato con un prezzo regolare per presentare al pubblico il nuovo prodotto di lusso contemporaneo, ma la prossima collezione sta diventando più costosa, a causa dei crescenti costi delle materie prime e della produzione che è 100% made in Italy.

Quali saranno le tue strategie di promozione del brand? Social? Influencer? Passa-parola?

Tutti questi canali sono importanti per me soprattutto all’inizio, ma i social media nell’era in cui viviamo sono di importanza cruciale per me.

Ho appena assegnato al mio amico e critico di moda Louis Pisano il ruolo di Direttore Artistico. La sua prima iniziativa è stata il viaggio di lancio di #AZPugliaDream nell’agosto 2022 per raccogliere amici di talento del brand AZ.

Questa prima collezione sarà in vendita solo sul tuo sito, o potremo trovarti anche nei negozi?

Il mio brand è appena nato a Milano proprio durante la pandemia, quindi mi sono preparato totalmente dal punto di vista dell’e-commerce. Non perdetevi il mio sito www.anjazecevicmilano.com

Sono una designer emergente e sono pronto per incontri con i buyer in uno showroom multimarca durante PWF tra il 26 settembre e il 5 ottobre a Parigi, Marais e in 2 showroom a Milano tra il 20 e il 25 settembre 2022.

Hai già nella mente come si evolverà la collezione nelle prossime stagioni?

Sì, sto lavorando su nuovi modelli e nuovi colori. Rimani sintonizzati!

 Se la tua convinzione è così forte, come un amore che non ti fa dormire la notte, e perdi il respiro mentre ci pensi, allora devi farlo. Non importa quanti ostacoli hai sulla tua strada. Niente di bello è facile. Fidati solo del tempismo della tua vita. E non dimenticare di studiare

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Info e contatti:

Sito ufficiale: www.anjazecevicmilano.com

Pagina Instagram ufficiale: @anjazecevicmilano

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BIG AND FLORENCE SHOWROOM presenta: NINEINTHEMORNING.

Lo showroom fiorentino molto caro a Wait Fashion con a capo i coniugi Gianmaria Brini e Cristiana Andreoli, nato pochi mesi fa dall’unione dei rispettivi Brini Showroom e Andreoli Showroom, da diverse stagioni ha puntato decisamente, e a ragione, su un brand che, nato con un focus sul pantalone per uomo e donna, sta allargando la gamme e continua a crescere di stagione in stagione aumentando sempre più la schiera dei fedeli seguaci. Passione, made in Italy, gusto pulito, ma grande attenzione alle vestibilità e ai dettagli. Questo il mix vincente.

Il brand: NINEINTHEMORNING.

Qualità della sartoria italiana, essenza minimal e linee pulite sono solo alcuni dei modi per descrivere il concept di  Nineinthemorning, azienda italianissima che nasce specializzanodsi nella creazione di pantaloni tanto casual quanto eleganti.

Questo brand può diventare il nostro fidato fornitore dei cosiddetti “wardrobe staples”, ossia quei capi timeless, immuni dal via vai di trend passeggeri, pensati per rimanere nel nostro guardaroba stagione dopo stagione, senza mai perdere la loro qualità.

“L’abilità della sartoria si materializza nella bellezza di un paio di pantaloni”.

L’Italia è la patria del bello e ben fatto, ricca di piccole realtà, ognuna specializzata all’interno della propria filiera produttiva, che contribuiscono a contraddistinguere la grande qualità dei prodotti realizzati nei distretti industriali specializzati. Nineinthemorning è una giovane azienda che tramanda, con grande consapevolezza, i principi del Made In Italy, senza rinunciare alla bellezza di un design estremamente contemporaneo, il cui obiettivo è la creazione di capi iconici, destinati a durare nel tempo.

Il brand, che nasce specializzandosi sulla produzione di pantaloni, si sta piano piano espandendo su altre categorie merceologiche, come giacche e camicie. In questa collezione primavera/estate punta sul minimalismo delle forme e tessuti leggeri.

Nella palette colori sono presenti tonalità neutre, come beige, bianco e grigio, accostate a colori brillanti come il fucsia vitaminico di questo paio di pantaloni dalla linea formale ed elegante.

Per concludere, facciamo attenzione ai dettagli come l’etichetta che contraddistingue tutti i prodotti Nineinthemorning.

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Sito ufficiale: Nineinthemorning

Pagina instagram ufficiale: 9inthemorning

Sito ufficiale di BigAndFLorence showroom: www.bigand.it

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Il termine upcycling viene spesso associato al riciclaggio ma non ha lo stesso significato. Venne coniato nel 1994 dall’ingegnere meccanico tedesco Reiner Pilz che dichiarò in un’intervista: “Il riciclo io lo chiamo down-cycling. Quello che ci serve è l’up-cycling, grazie al quale ai vecchi prodotti viene dato un valore maggiore, e non minore”.

L’upcycling, dunque, si differenzia dal riciclo non solo perché viene utilizzato per creare articoli diversi da quelli di partenza ma anche perché ha come obiettivo quello di creare un prodotto di maggiore qualità, reale o percepita.

Questa tecnica può essere applicata davvero ad ogni genere di oggetto, a partire dall’arredamento fino a giungere ai vestiti.

Quasi il 50% dei capi proposti nelle ultime collezioni di Marine Serre, ad esempio, sono upcycled. “Essere designer oggi significa saper creare e produrre in modo diverso.” ha dichiarato la stilista. “Perché andare a comprare tessuti, inventare stampe che dovranno essere cambiate l’anno successivo, quando c’è così tanto tessuto da riutilizzare? Trovo spaventoso che le grandi case non abbiano già fatto un passo verso questo tipo di produzione, quando poi passiamo il tempo a lamentarci degli sprechi.”

Se l’approccio adottato da Marine Serre è sicuramente innovativo, tra i luxury brand c’è anche chi ha fondato il proprio impero su questa tecnica.

È il caso di Chrome Hearts, brand nato a Los Angeles nel 1988, dall’idea dell’appassionato di motociclette Richard Stark, che era solito indossare delle giacche in pelle personalizzate a bordo delle sue Harley-Davidson. Decise di realizzarle in proprio con l’aiuto dell’amico John Bowman, esperto in pellami, e del gioielliere Leonard Kamhout.

I loro capi ottennero velocemente successo ad Hollywood, e il brand ricevette una commissione per il film Chopper Chicks In Zombietown, che vedeva tra i co-protagonisti anche la fidanzata di Steve Jones, il chitarrista dei Sex Pistols.

Dopo un paio d’anni le strade dei tre amici si divisero e rimase alla guida del marchio solamente Stark, dedicandosi alla produzione di articoli in pelle e gioielli in oro, argento e diamanti. Dopo aver incontrato una cliente di nome Laurie Lynn, Stark la sposò e le affidò un ruolo chiave nell’azienda.

Ciò che rende Chrome Hearts esclusivo è l’importanza che viene data al punto vendita fisico. Il primo flagship store venne inaugurato nel 1996 a Manhattan e tutt’ora il marchio non possiede un e-commerce ufficiale. Inoltre, non lavora a collezioni stagionali ed è severamente vietato diffondere informazioni o anche solo foto riguardanti un loro prodotto al di fuori dei loro negozi. Tutto ciò contribuisce a creare hype attorno all’azienda.

Con il tempo arrivarono anche le prime collaborazioni con nomi di spicco nell’ambiente moda come Rick Owens, COMME des GARÇONS, Off-White, Yves Saint Laurent, BAPE, Adidas, UGG e Vans. In questo modo Chrome Hearts è entrato a far parte del luxury fashion, arrivando ad ottenere un valore stimato di 1 miliardo di dollari.

Ma qual è il capo simbolo di questo brand? Uno tra i più esclusivi tra quelli offerti: i jeans. Proprio così, il loro prodotto di punta è quello ottenuto tramite upcycling. I jeans Chrome Hearts altro non sono che Levi’s a cui vengono aggiunti materiali di qualità come la pelle per le applicazioni a forma di croce e metalli preziosi come l’argento per gli inserti.

Un altro brand che è entrato a far parte del luxury, anche grazie alla sua recente collaborazione con Lanvin, è Gallery Department di Josué Thomas. L’artista ha fondato il marchio nel 2017 fondendo la sua passione per il vintage e quella per l’arte.

I suoi capi sono ottenuti da reinterpretazioni di capi vintage come pantaloni da lavoro con fondo svasato, denim invecchiato, T-shirt, felpe e altro ancora. Anche Thomas ha utilizzato come base di partenza i jeans Levi’s ma anche capi Carhartt, dando loro una nuova estetica, strappandoli, ricucendoli, mixando elementi diversi, dipingendoli a mano, aggiungendo materiali, in poche parole dando libero sfogo alla sua creatività.

Virgil Abloh è stato tra i primi ad apprezzare il suo operato. “È un esempio perfetto di qualcuno che crea il proprio percorso partendo da una comunità che non ha partecipato alla moda tradizionalmente […] Credo che Josué possa creare un nuovo canone, mostrando le capacità dei designer appartenenti alla comunità nera” ha dichiarato Abloh in un’intervista per il New York Times nel 2020.

Virgil stesso, all’inizio della sua carriera, ha utilizzato il metodo dell’upcycling con il suo primo brand fondato nel 2012, Pyrex Vision. Il designer comprò uno stock di camicie di flanella Ralph Lauren per 40$ e ci applicò delle stampe serigrafiche fatte di scritte e numeri, tra cui l’iconico 23 come omaggio al suo idolo Michael Jordan. Riuscì a rivenderle a 550$ e divennero ben presto un oggetto di culto in un mondo streetwear ancora acerbo. Tuttavia, il successo di Pyrex Vision ebbe breve durata e, non potendo registrarne il nome, Abloh decise di chiuderlo per poi  fondare Off-White.

Il resto è storia.

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«Gavor nasce per esprimere se stessi e il proprio corpo con libertà e personalità. »

Questa è la prima frase che si legge sul sito ufficiale del brand fondato da Josephine Lossou Gavor, designer di origini guineane – togolesi. Il suo percorso di studi è iniziato in un istituto professionale di moda in Italia, proseguendo poi a Parigi, nell’Atelier Chardon Savard. Successivamente ha deciso di avviare il suo progetto personale, unendo la sua passione per la moda con la sua voglia di rappresentare le nuove generazioni.

Gavor è un marchio indipendente specializzato nelle collezioni Limited Edition e nell’abbigliamento Seasonless. La linea è composta principalmente da pezzi streetwear e da capi sartoriali ispirati alla musica e all’arte, con un forte richiamo alla cultura africana. Ogni prodotto viene interamente realizzato a mano fornendo anche la possibilità di effettuare ordini su misura.

Ciò che rende unico Gavor è la sua impronta genderless. «Con l’annullamento della divisione “per lui” e “per lei” voglio celebrare l’espressione libera di ogni identità di genere creando uno spazio dove sentirsi liberi di scegliere e di essere» dichiara Josephine.

Tramite i suoi capi, la designer si allinea al movimento gender fluid e manda un messaggio di body positivity. Le sue creazioni sono frutto di una nuova concezione della moda in cui non sono più i corpi a doversi adattare ai vestiti, bensì il contrario. L’abbigliamento diventa così mezzo di espressione, dichiarazione della propria identità e non più semplice estetica frivola. Dietro l’idea creativa della stilista si cela un messaggio chiaro ed importante: l’accettazione di se stessi e degli altri.

 

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KUON è un brand giapponese creato da Shinichiro Ishibashi.

Dopo aver effettuato un apprendistato presso una consolidata sartoria di Tokyo, il designer ha iniziato a lavorare come pattern maker per un noto marchio di alta moda. Nel 2014 ha avviato la sua carriera come freelance e nel 2016 è diventato la mente creativa di KUON.

Le parole chiave alla base del brand sono “eternità”, “passato o futuro” e “permanenza”, come dichiarato sul loro sito web ufficiale. L’estetica di KUON ha radici nella storia e nella cultura di abiti e tessuti vintage, che cerca di rivitalizzare conferendo loro un nuovo valore. È una ricerca continua di semplicità e autenticità che vengono messe in atto sfuggendo ai vincoli della tradizione.

Secondo Ishibashi: “Le cose nuove diventano vecchie, ma le cose belle rimangono tali”. L’obiettivo del brand è dunque quello di rendere ogni capo eterno. I materiali scelti vengono riciclati e riutilizzati per dare loro una nuova essenza, ottenendo linee pulite e originali.

Attraverso il design, KUON stimola e motiva le persone, ha un ruolo attivo nella società e la connette con gli individui che la compongono. Sfidando l’attuale approccio della moda che si basa sui consumatori e sulla produzione di massa, il brand propone un nuovo stile di vita in cui l’eleganza e l’etica vanno di pari passo.

Giacche, camicie, t-shirt, pantaloni, borse ma anche accessori per la casa, le collezioni proposte offrono una selezione di prodotti veramente vasta e ognuno di essi viene realizzato in maniera consapevole, con particolare cura e attenzione non solo della qualità ma anche delle conseguenze che la produzione tessile ha sull’ambiente. KUON fornisce un’alternativa al fast-fashion, dimostrando che anche la salvaguardia del pianeta può essere “alla moda”.

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Dopo alcuni mesi di stand-by, Nike e Travis Scott hanno annunciato che la loro attesissima collaborazione uscirà il 27 maggio.

La release prevede una capsule di capi di abbigliamento d’ispirazione outdoor che comprende due giacche in Gore-Tex, un gilet con imbottitura Primaloft ma anche una serie di felpe, una t-shirt, un paio di pantaloni e uno short.

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I prodotti che hanno attirato maggiormente l’attenzione restano, tuttavia, le sneakers. Le silhouette delle Air Max 1 e delle Air Trainer 1 saranno disponibili rispettivamente in due colorazioni: marrone e gialla per le prime, grigia e marrone scuro per le seconde.

Travis Scott x Nike Air Max 1 CACT.US GOLD

DATA DI USCITA: 27 Maggio 2022

PREZZO: 150 £

Travis Scott x Nike Air Max 1 CACT.US BROWN

DATA DI USCITA: 27 Maggio 2022

PREZZO: 150 £

Travis Scott x Nike Air Trainer 1 ARCHAEO BROWN

DATA DI USCITA: 27 Maggio 2022

PREZZO: 160 £

Travis Scott x Nike Air Trainer 1 GREY HAZE

DATA DI USCITA: 27 Maggio 2022

PREZZO: 160 £

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Dal 2008, è stata creata la serie di Nike Dunk Low “Lobster”, proposta in 5 diverse colorways. Le prime colorazioni rilasciate furono la versione “Red”, la “Blue” e la “Yellow”. Successivamente uscirono la versione “Green” e quella “Purple”, risultato di un mix tra le prime tre, dato che mescolando blu e giallo si ottiene il verde e dall’unione di blu e rosso il viola.

Quest’anno il team di Deon Point tornerà con una sesta versione denominata “Orange”, perché presenta una tonalità scaturita dal mix di rosso e giallo.

Si vocifera che le Nike Dunk Low “Orange Lobster” usciranno quest’anno, precisamente durante il Black Friday.

Avranno anch’esse il successo ottenuto da quelle precedenti? Non ci resta che aspettare per scoprirlo.

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Il brand nasce nel 2015, mentre Samuel Ross nel 1991.

Il designer proviene dalla contea di Northamptonshire, dove la vita non è così rosea. Il giovane Samuel cresce infatti  immerso nelle problematiche della periferia inglese dove è facile essere trascinati sulla cattiva strada. Nonostante ciò il giovane vuole studiare e con impegno e sacrificio riesce a mettersi da parte qualche soldo per studiare all’università. Studia grafica e illustrazione alla De Montfort University a Leicester. Inizia a lavorare come grafico e ha un incontro che gli cambierà la vita quello con lo stilista Virgil Abloh. Grazie allo stilista Virgil riesce anche ad entrare in contatto con Kanye West con il quale inizia a collaborare.

Poco a poco riesce a fondare nel 2015 il suo brand A COLD WALL, che sfila per la prima volta nel 2017 nella Fashion Week Men. Per il talento, per i nomi giusti, per tanta fortuna e impegno: il successo è immediato.

Samuel Ross presenta un’estetica contemporanea, distaccata dalle mode del momento e completamente personale. Questa creatività che si avvicina al mondo urban e street wear è subito apprezzata dal pubblico che riconosce in Samuel un talento davvero innato.

Naturalmente per la natura del brand collegato con il mondo street, Samuel si presta alle più svariate collaborazioni.

Oggi vi presentiamo una partnership speciale: A COLD WALL X Converse.I due brand hanno collaborato per la creazione di delle scarpe dalla silhouette nuova.

Scopriamole insieme!

L’innovazione nel confort è una scarpa dinamica. Si uniscono le forme concettuali e futuristiche di A COLD WALL con la nuova tecnologia creata dalla casa Converse.

Il modello Aeon Active CX è un’edizione limitata ed è una scarpa che si spinge oltre, verso il progresso per il footwear: la struttura è stretch e presenta una suola rialzata per ammortizzare e per rendere più confortevole la camminata. La suola fatta di schiuma è costituita dal 12% da materiali riciclati, l’estetica della suola è puramente di A COLD WALL: futuristica, quasi distopica, ma veramente cool. 

Una spinta per la casa Converse che ha una propulsione verso l’innovazione con questa collaborazione: una combinazione di colori audaci, un linguaggio grafico distopico, la suola traslucida. Il design della scarpa risente molto dell’estetica di Samuel Ross e porta questa scarpa ad un altro livello. 

Dovreste prenderla in considerazione perché presenta una nuova silhouette fatta con A COLD WALL, una scarpa stretch, una suola esagerata, motivi classici Converse come pelle, camoscio e altre linee curvilinee. 

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Fondato nel 2005 dagli ex calciatori della J-League Keiji Ishizuka e Atsuhiko Mori, WACKO MARIA è un brand giapponese noto per le stampe eccentriche che caratterizzano i capi e per le frequenti collaborazioni con artisti audaci.

Il marchio organizza periodicamente eventi per la sua community nel flagship store “Paradise Tokyo”, situato a Nakameguro. È qui che avvengono i drop di tutte le collezioni, che sono spesso ispirate alla cultura giapponese, alla musica e all’arte.

Una delle caratteristiche più sorprendenti di WACKO MARIA è la sua incredibile prolificità che non cade mai nel banale. Nel corso degli anni ha collaborato con tantissime aziende famosissime come Vans, Dickies, l’etichetta di valigie e accessori giapponese Porter ma anche con artisti e tatuatori.

Ogni collezione è diversa da quella precedente ma riesce comunque a mantenere un filo conduttore che rende i prodotti immediatamente riconoscibili. Stampe colorate, immagini, riferimenti al mondo del cinema, della musica e dell’arte sono il marchio di fabbrica del brand.

L’assortimento di prodotti proposti, acquistabili anche online sul sito ufficiale, è davvero vasto: giacche, cappotti, pantaloni, shorts, scarpe, cappelli, t-shirt, felpe e persino fiammiferi.

Ma ciò che ha reso veramente celebre WACKO MARIA sono le camicie. Presenti sia a maniche corte che a maniche lunghe, con tagli che vanno dal tipico modello Hawaiano, alla linea Cuba fino a giungere al collo alla coreana, le camicie firmate dal marchio giapponese sono davvero uniche. Sarebbe possibile indossarne una diversa ogni giorno senza mai rischiare di riproporre lo stesso outfit. Con stampe animalier, riferimenti cinematografici ma anche musicali e artistici, come la camicia con il volto di Bob Dylan o quella con i dipinti di Basquiat, questi capi hanno un’estetica profondamente radicata nella cultura di tutto il mondo.

 

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A pochi mesi dalla sua nomina come direttore creativo di Bally, Rhuigi Villaseñor ci stupisce con un nuovo progetto: RHU. L’acronimo significa “Redesigning Human Uniform” e nasce da un’idea in collaborazione con Zara.

Il designer spiega che questa collezione nasce per dare un’alternativa più economica al suo brand Rhude, fondato nel 2015. “I prezzi sono alti, l’inflazione è alta. Come possono comprare i ragazzi? Questa collezione non riguarda solo l’escapismo, serve per accertarsi che loro possano ancora essere parte di qualcosa di speciale” ha dichiarato.

Perciò è stata creata RHU, in un mondo post-athleisure, post-streetwear, dove l’abbigliamento deve essere funzionale e confortevole e al contempo un riflesso della propria identità.

L’obiettivo principale di questa collezione è quello di evocare lo stile di vita di Villaseñor stesso, che è in grado di essere a suo agio in contesti importanti come in quelli più umili. La capsule abbatte completamente i confini tra formalità e informalità, proponendo 57 capi ready to wear, 6 modelli di scarpe e 6 borse. Denim, varsity jackets, pantaloni utility, camicie e pantaloni sportivi sono solo un piccolo esempio dell’ampia selezione creata.

La fascia di prezzo va dai $9 ai $250 e offre prodotti di qualità. “Un design molto buono è un diritto” ha dichiarato Rhuigi, spiegando anche come abbia spinto Zara a una produzione di qualità maggiore, dicendosi molto orgoglioso del risultato. “Ho sempre sentito una forte affinità per la creazione di prodotti ben fatti che non sono definiti dal prezzo” ha aggiunto.

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Simon Porte Jacquemus ha annunciato la partnership tra il suo marchio e Nike. Il designer francese aveva fatto presagire l’avvento della collaborazione qualche mese fa, inserendo all’interno di alcune campagne fotografiche le Nike Shox e le Air Series 6E, silhouette iconiche del brand americano.

 

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La collezione, disponibile dal 28 Giugno esclusivamente sul sito Jacquemus, è stata ideata con l’intento di dare un tocco minimal e di classe allo sportswear femminile.

La collaborazione si ispira al mondo sportivo degli anni ’90 e vede una selezione di ben 15 prodotti, con un focus particolare sulle Nike Humara, uno dei modelli di sneakers preferiti di Jacquemus.

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Santart è un brand artigianale Made in Italy nato dalle menti creative di Maria Ricco e Moreno De Lauri, due coniugi che riescono ad unire il mondo dell’arte con quello del gioiello per dare vita ad accessori unici.

La loro bottega nasce a Foggia, in Puglia, fondendo tradizione e innovazione. Le loro creazioni sono frutto di un approccio all’arte differente da quello che siamo soliti osservare, il gioiello diventa un tutt’uno con essa, pennellate su legno rievocano i pittori e i dipinti più famosi della storia.

Il gioiello viene reinterpretato in modo completamente nuovo. Nelle mani dei due designer non è più un accessorio qualsiasi ma diviene una vera e propria raffigurazione pittorica da indossare, attraverso la quale raccontare una storia, un’emozione, il proprio vissuto e alcuni tratti della propria sensibilità.

«In questo mondo industrializzato, veloce, abbiamo ricercato qualcosa di semplice, di vero e l’arte lo è», raccontano Maria e Moreno sul loro sito web.

Nel laboratorio Santart prende vita un concept che racchiude le loro competenze, le loro passioni, incentrandosi su valori e insegnamenti tradizionali e sviluppandoli con uno stile completamente nuovo, volto ad elogiare l’originalità e la creatività.

 

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Il frutto del loro lavoro, portato avanti con grande dedizione, sono alcune elaborazioni appassionate e di grande fascino che combinano nuovi accostamenti di colori, materiali e tecniche: pittura, legno, metalli, tessuti e pietre dure. Una continua sfida di innovazione e sperimentazione del gioiello contemporaneo.

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Di giorno lavora in un’azienda che si occupa di creare tende personalizzate e su misura ma nel suo tempo libero utilizza i tessuti per dare sfogo alla sua creatività.

Kristin Mallison è una giovane interior designer di Brooklyn che ha trovato ispirazione negli arazzi e nelle tappezzerie che la circondavano. A differenza della maggior parte degli abiti utilizzati nel mondo della moda oggi, i materiali utilizzati nell’arredamento sono ideati per durare più di 30 anni.

Mallison ha iniziato la sua ricerca di tessuti vintage nei mercatini delle pulci e online. È raro riuscire a trovare abbastanza materiale per realizzare nuove creazioni, perciò la designer unisce gli arazzi e le tappezzerie per dare vita a corsetti e gonne vintage davvero uniche e originali.

Il suo lavoro si basa sulla riscoperta di oggetti del passato a cui lei riesce a dare una nuova vita, reinterpretando le texture tipiche dell’arredamento rococò del ‘700 e trasformandole in capi d’abbigliamento contemporanei. Le sue creazioni non si discostano da ciò che vediamo recentemente in passerella. Basti pensare all’iconico corsetto di Vivienne Westwood che è ormai diventato un pezzo di archivio.

Negli abiti di Mallison ricompare l’immaginario del 17esimo e 18esimo secolo, non solo nelle forme ma anche nelle immagini stesse rappresentate sulle stoffe. Il tutto assume, però, una chiave interpretativa diversa, i suoi corsetti sono molto più comodi di quelli utilizzati in antichità, sono loro ad adattarsi al corpo e non il contrario. “Non credo che ci sia niente di più femminile di un corsetto o di queste sagome storiche, e voglio interpretarle in modo moderno, più giocoso, che non sia affatto costrittivo” dichiara la designer che, con il suo lavoro, sta restituendo potere e dignità alla figura femminile.

 

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Nel cuore del distretto di Brera, SHOE inaugura il primo flagship store a Milano. Il brand, già presente in  Italia con oltre 500 multibrand store dislocati in tutto il territorio, comprende collezioni uomo, donna e bambino.

Il giovane designer originario di Forlì, Marco Samorè, ha fondato il marchio incanalando la sua passione per l’arte e lo sport in  un’estetica confortevole ed informale, svincolando le sue creazioni da qualsiasi target anagrafico e di  genere. “SHOE nasce per essere uno spazio accogliente dove muoversi in libertà, senza  costrizioni”, racconta. “SHOE è per tutti, veicola  un senso di inclusione e bellezza senza limiti, attraverso capi che incoraggiano qualsiasi  corpo a sentirsi bene grazie a fit rilassati e design unisex”. Le sue dichiarazioni spiegano alla perfezione il manifesto: Inspired by Everyday People Led by Everyday Life. 

Tra i prodotti proposti emerge sicuramente il classico jogger pants interpretato in ogni stagione e proposto in una moltitudine di colori e stili, che lo rendono facilmente abbinabile a felpe con cappuccio, T-shirt,  camicie, ed accessori coloratissimi.

Questa nuova apertura è un tassello importante che si aggiunge ad un percorso di crescita in cui il brand ha investito negli ultimi anni. Oltre ad aver creato la linea unisex, minimalista ed essenziale e le T-shirt in cotone  organico, SHOE sta anche seguendo un percorso di sostenibilità ambientale, collaborando con Treedom per la piantagione di nuovi alberi in tutto il mondo. Inoltre, il packaging è stato messo a punto con il 40% di plastica riciclata insieme alle linee di piumini e shorts da mare prodotti con tecnologia REPREVE realizzate al 100% utilizzando bottiglie di plastica riciclate.

L’attenzione per l’ambiente avrà maggiore rilevanza anche grazie ad un’iniziativa volta al riciclo e al riuso dei capi e dei materiali. Il nuovo flagship store sarà un punto chiave perché verrà utilizzato come luogo di raccolta. Radicato nei colori, nei codici e nella tradizione del brand, lo  spazio si estende su due livelli e si presenta come un luogo dinamico e sensoriale, sintesi  di design essenziale ed heritage italiano. La luce, elemento dominante, si espande su un’atmosfera ordinata e  fluida, esaltando le pareti  neutre e ruvide, gli elementi di arredo in acciaio e i dettagli fucsia come il  grande banco centrale e la dressing room. 

Per celebrare la nuova apertura, SHOE ha appena lanciato MILAN01, il primo di una serie di  drop che saranno disponibili in esclusiva in-store e su weareshoe.com durante il corso dell’anno. La capsule presenta T-shirt, felpe unisex con cappuccio e girocollo nei colori  bianco e nero, con l’indirizzo dello store e il simbolo PLUS sulla schiena, che rappresenta tutti i  valori del brand: etica, estetica, inclusività e sostenibilità. 

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Se sei a Milano e vuoi visitare il nuovo spazio, lo store è aperto tutti i giorni dal lunedì alla domenica in Corso Garibaldi 16.

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Questa rubrica vuole essere una guida di orientamento dove sono selezionati consigli utili, libri, podcast, personaggi da seguire sui social e infine brand green da poter acquistare.

Oggi parleremo:

– di una scoperta fatta sui social, ovvero dell’ influencer e blogger Imperfect Idealist.

– piccole tips imparate da lei 

– qualche brand da conoscere 

Imperfect idealist

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Imperfect Idealist è una cosiddetta green influencer, una persona che si occupa di sostenibilità sui social e che si impegna costantemente per trasmettere, istruire ed informare i suoi follower nel mondo dell’ecosostenibilità.

Imperfect Idealist si chiama Lily Fang ed è una venticinquenne, come dice lei “persa e confusa”, laureata all’università d’arte del Massachusetts. Anche se non si mostra sicura nel descrivere la sua personalità, il suo blog e soprattutto i suoi social sono una fonte importantissima per divulgare informazioni e consigli per vivere in modo più etico. E non è per niente confusa circa le sue idee e il suo modo di vivere ecosostenibile.

Le sue stories, i suoi tiktok e in generale i suoi contenuti si adattano ai bisogni del pubblico di oggi che vuole informarsi, ma velocemente. Lei centra l’obiettivo e in pochi secondi analizza argomenti come: come mai il fast fashion è sbagliato? cosa bisogna evitare di fare? come essere più sostenibili? Questo metodo è vincente e i riscontri non si riversano solo sulla sua persona, perchè è diventata popolare, ma anche sulla sua audience sempre più consapevole e sensibile riguardo la sostenibilità.

Queste brevi, ma profonde pillole sono  molto apprezzate. Anche perchè hanno un alto valore informativo e non rappresentano i soliti contenuti sponsorizzati che si ripetono all’infinito di quelle influencer che alle vote sembrano dei veri e propri cartelloni pubblicitari viventi.

Da lei impariamo quali sono i pilastri della moda ecosostenibile e

le domande da porsi prima di comprare un capo:

• Il momento dell’acquisto 

    -posso comprarlo usato?

    -posso affittarlo?

   -posso comprarlo di un marchio ecosostenibile?

• La produzione

      -dove viene prodotto questo capo

      -le persone che sono coinvolte nella produzione hanno un adeguato stipendio?

      -sono usate sostanze chimiche?

      -gli animali come vengono trattati?

• Il capo

     – il materiale è di buona qualità? è fatto per durare?

     – i materiali sono eco friendly e biodegradabili?

     – usano materiale o pelle animale?

• Le abitudini di consumo

    –  ne ho veramente bisogno?

Queste domande secondo lei rappresentano i punti fondamentali per diventare dei consumatori più consapevoli.

Il consiglio quindi è sempre quello di riflettere e dare più peso ai nostri consumi.

Come posso acquistare in modo etico online?

I siti di seconda mano sono un’ottima soluzione. 

Come già abbiamo detto, comprare usato è un modo per dare una seconda vita a degli oggetti che sennò sarebbero buttati e conseguentemente costituirebbero un rifiuto. Per evitare ciò molti siti permettono a utenti provenienti da tutto il mondo di caricare e vendere prodotti che non usano più.

–Vinted 

–Depop

–Facebook marketplace 

–Vestiaire collective (prettamente lusso e oggetti di marca)

La cosa bella è che con un po’ di fortuna si possono trovare anche pezzi unici oppure solo di una stagione passata a prezzi ragionevoli.

Invece per quanto riguarda i brand da tenere sott’occhio abbiamo selezionato due brand molto cool e che fanno bene all’ambiente.

Stan Clothing

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Stan Clothing è un brand made in LA fondato da un giovane ragazzo di nome Tristan Detwiler. Quest’ultimo appassionato del surf e del mare per anni ha cucito e assemblato pezzi unici per uso personale. Ha deciso recentemente di fondare il suo brand che è costituito da giacche e pantaloni realizzati secondo il metodo dell’up-cycling.

Quello che Tristan fa è essenzialmente trovare e poi comprare vecchie coperte o tessuti, tagliare in piccoli pezzi il materiale trovato e formare un tessuto costituito da tantissimi scampoli di colorazioni diverse. Il risultato è quello di un particolarissimo patchwork che risulta essere unico in ogni suo capo. La bellezza delle sue collezioni non è solo dovuta all’assemblaggio di materiali diversi, ma anche alla scelta del designer di scegliere tessuti vecchi. Questo si respira nelle sue collezioni,infatti i capi sembrano anticati e invecchiati. Il design vuole darci l’impressione che i pezzi delle sue collezioni siano dei cimeli unici trovati in chissà quale soffitta. Stan Clothing è il classico esempio di un brand ecosostenibile estremamente cool e sofisticato.

An Erin 

E un piccolissimo e recentissimo brand statunitense. La fama nasce su Tik Tok dove la designer decide di documentare il suo lavoro. 

Il pezzo forte del marchio sono dei cappotti realizzati con delle vecchie coperte e assemblati con delle cuciture fatte con un grosso filato a contrasto. Che dire sono pezzi bellissimi e mai visti e il successo che questa giovane ragazza ha avuto è più che meritato. La creatività fa sì che con poco si possa creare qualcosa di unico. Una coperta diventa il capo più chic e particolare che si possa avere.

Come mai il brand è sostenibile? Perché utilizza delle coperte che verrebbero buttate. Come abbiamo ripetuto mille volte, non buttare e riutilizzare è il principio della sostenibilità

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Leggere camicie con stampe all over, che vanno dai fiori di diverse dimensioni ai tartan rivisitati in chiave pop. Maxi abiti realizzati partendo dall’accostamento di stampe a contrasto. Morbidi pantaloni super colorati.

Il brand di fast fashion giapponese Uniqlo ha programmato, per il 19 maggio, il lancio di una capsule collection firmata Marni. A pochi giorni dall’annuncio, la collaborazione possiede tutto l’hype dei progetti in cui i codici stilistici di un brand luxury vanno ad incontrare la democratizzazione di un prodotto accessibile ai più.

Eccentrica, colorata e divertente: così possiamo descrivere questa collezione, che invoglia a fare un tuffo nella natura primaverile e può rischiarare anche le giornate di pioggia primaverile milanesi. 

Nelle foto della campagna pubblicitaria i capi vengono proposti accostati tra di loro, creando effetti di color block e, in generale, abbinamenti audaci… coloro che non sono abituati ad osare così tanto si staranno probabilmente chiedendo: come posso incorporare questi capi nei miei outfit di tutti i giorni?

Wait vi propone alcuni outfit casual per illuminare il vostro look primaverile, senza rinunciare ai capi must have del vostro guardaroba.

Outfit da giorno

Per un outfit da giorno, perfetto per un caffè con le amiche o per una passeggiata tra le vie del centro, vi consigliamo di abbinare la camicia con stampa a fiori verdi con un paio di jeans in denim dal lavaggio scuro di Levi’s e un top di Jacquemus bianco. Per quanto riguarda gli accessori proponiamo una comoda tote bag di Chloé e delle scarpe basse di Manolo Blahnik. 

Outfit da aperitivo

Per un look da aperitivo in un localino chic vi consigliamo di optare per una giacca antivento in questo color verde acido, da abbinare con questa favolosa maxi gonna di Y/Project, maglia di Diesel con logo metallico, stivali By Far e borsetta rosa caramella di Jacquemus.

Outfit da sera

Per una cena in un ristorante all’aperto con gli amici invece vi proponiamo un abito chemisier sui toni del blu, da abbinare con una maxi cintura di Alexandre McQueen per accentuare il punto di vita, una giacca in denim di Sandro, delle mules gioiello di Mach & Mach e, per completare il tutto, una mini bag di By Far.

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Dopo la tragica scomparsa del genio creativo ideatore di Off-White, Virgil Abloh, in molti si sono chiesti chi sarebbe stato in grado di portare avanti i suoi progetti.

Il designer è stato molto più che uno stilista. Virgil era un imprenditore, un direttore artistico e un rivoluzionario che ha contribuito nel permettere allo streetwear di inserirsi nel mondo della moda, dando voce al popolo con cui si è sempre identificato.

Durante la sua carriera ha collaborato con artisti del calibro di Kanye West e Jay Z e, nel 2018, è stato nominato direttore artistico della collezione uomo di Louis Vuitton.

A quasi un anno dalla sua morte, tuttavia, il marchio non ha ancora rilasciato dichiarazioni ufficiali che facciano presagire chi potrà essere il suo successore.

Michael Burke, CEO di Louis Vuitton, ha recentemente rilasciato un’intervista in cui ha affermato che la maison non ha fretta nell’effettuare una scelta, in quanto è troppo grande per affidarsi ad un solo individuo. Burke ha aggiunto, inoltre, che essere un fashion designer non fa parte delle caratteristiche necessarie e che il prossimo direttore creativo potrebbe anche essere specializzato in tutt’altro settore.

Tra i vari candidati, tuttavia, potrebbe esserci, contrariamente a quanto appena affermato, un creativo che del settore è veramente esperto: Jerry Lorenzo.

Il fondatore di Fear of God è tra i pochi designer americani che sta portando avanti quell’idea di sportswear sofisticato e minimalista che ha reso celebre Calvin Klein negli anni ’90. Ciò che rende Lorenzo un sostituto ideale è sicuramente il fatto che possiede delle caratteristiche che lo accomunano a Virgil ma anche altri elementi diametralmente opposti. Mentre tutto il lavoro di Abloh deriva direttamente dalla cultura popolare americana, quello di Jerry Lorenzo appartiene a quella parte intellettuale della California che è radicata nella controcultura originaria degli anni ‘50 della Beat Generation, che di fatto rifiuta l’eccesso colorato e caricaturale per cui Los Angeles è famosa, distaccandosi da esso.

Il minimalismo caratterizzante di Fear of God abbraccia un’idea di sottrazione che viene da un utilitarismo portato allo stremo. Contrariamente all’Europa, per gli statunitensi questo fenomeno non ha una derivazione borghese ma, al contrario, è parte integrante della subcultura, dello straniamento, del rifiuto dell’industrializzazione di massa.

È proprio questa sorta di alienazione a rendere il lavoro di Lorenzo interessante, ciò che per gli europei è simbolo di omologazione, è visto e utilizzato da lui come mezzo di rivoluzione. Per questo motivo il designer californiano potrebbe essere un degno sostituto di Virgil Abloh nella direzione creativa di Louis Vuitton uomo, perché, come Abloh, è in grado di apportare un cambiamento ma in maniera personale, senza rischiare di sembrare la sua brutta copia ma contribuendo a ricostruire un universo invitante e comprensibile a tutti, portando avanti ciò che il fondatore di Off-White aveva iniziato prima di lui.

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Anche se per molti le ferie possono sembrare un vero e proprio miraggio, la nostra guida ai costumi perfetti per l’estate può essere un buon modo per prendersi una pausa dal grigiore della città e pensare alle vacanze e alla bella stagione che si sta avvicinando.

Abbiamo selezionato i seguenti brand, che risultano essere perfetti per l’ Estate 2022.

Inamorata Woman 

Fascia di prezzo: 200-250€

La modella, scrittrice e attrice Emily Ratajkowski, anche semplicemente conosciuta come EmRata, ha deciso ormai da qualche anno di lanciarsi nel mondo della moda, non più sulle passerelle, ma nel lato creativo.

Ha quindi dato vita ad una particolarissima collezione di costumi, che ogni anno ci fa innamorare e desiderare di indossare un suo pezzo.

Nella collezione da circa lo scorso anno, EmRata ha iniziato ad inserire anche dei capi di abbigliamento da spiaggia, per fornire alle sue clienti un look completo: chic, sensuale e molto ricercato.

I colori della collezione Inamorata vanno dai toni caldi a quelli più vividi. I design variano dai più classici ad altri che sono delle vere e proprie innovazioni nel campo del beachwear.

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Missoni Mare

Fascia di prezzo: 250-400€

Missoni Mare è invece un classico intramontabile, si riconferma ogni anno un porto sicuro per chi desidera avere un bikini chic, senza tempo e incredibilmente sempre di tendenza. La classica linea zig zag cambia colori, toni, inclinazioni e sfumature per accontentare le esigenze del pubblico, che ogni stagione sente il bisogno di un’estetica nuova.

Il tradizionale motivo Missoni è rielaborato ogni estate tramite l’utilizzo di materiali, tessuti e sfumature diverse. I bikini risultano sempre freschi, senza tempo e di tendenza. 

Naturalmente Missoni Mare propone un total look da spiaggia, non solo bikini, ma anche copricostumi, kaftani, coordinati ecc.

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Pin-Up Stars 

Fascia di prezzo: 150-200€

Pin Up è un brand italiano che dagli anni 90 è leader nel settore del beachwear. L’azienda si è specializzata in questo comparto della moda ed è riuscita a creare delle linee particolarissime che sono amate e desiderate dal pubblico ogni estate. Un bikini Pin-Up non passa sicuramente inosservato: ci sono bikini con un design abbastanza classico ma con un tessuto e una fantasia particolarissimi, altri sono più sobri nei materiali, ma con dei dettagli mai visti, altri invece sono letteralmente mozzafiato perchè presentano dei tessuti con delle lavorazioni molto ricercate e un design davvero innovativo. Pin Up centra l’obiettivo ogni anno, soddisfacendo la clientela più esigente che è solita frequentare le località balneari più in.

Quando si parla di Pin up non ci si riferisce solo a prodotti esteticamente belli, ma anche a costumi di una qualità eccellente, infatti i bikini sono interamente Made in Italy e la vestibilità è studiata attentamente per risaltare le forme del corpo femminile.

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Reina Olga

Fascia di prezzo: 150-200€

Reina Olga è un brand italiano relativamente recente nato dalla passione per i bikini brasiliani di due sorelle, che nel 2014 decidono di mettersi in proprio e fondare questo brand. I bikini diventano particolarmente popolari grazie alla presenza sui social e anche perchè presentano un design nuovo e un’alternativa diversa al classico costume triangolo. Il pezzo iconico di Reina Olga è il costume a top a costine presente in colori neon o pastello. Inoltre nella collezione sono presenti, e diventati popolari anche i pezzi in fantasia. Reina Olga è un brand amato particolarmente dalle giovani donne, seguaci di  influencer e celebrities che ogni estate indossano un costume firmato di questa marca di beachwear.

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L'articolo Guida ai bikini perfetti per l’estate 2022 sembra essere il primo su Wait! Fashion.

Uno dei problemi che affligge la società attuale è sicuramente quello che riguarda l’ ambiente. Come già sappiamo dai notiziari e dalle migliaia di articoli che circolano, il nostro pianeta è purtroppo in pericolo. Surriscaldamento globale, con annesso innalzamento delle temperature e del livello del mare ed estinzione di molte specie. Insomma abbiamo alla mano una serie di dati che profetizzano uno scenario non del tutto roseo, se vogliamo essere ottimisti, catastrofico invece realisticamente parlando.

Non sappiamo se siamo ancora in tempo, ma al di là del nostro futuro, più o meno spacciato sarebbe bello pensare invece ad una rieducazione ambientale, che servirà alle prossime generazioni per non commettere i nostri stessi errori. Ritornare ad un ritmo di vita che sia subordinato alla natura e non il contrario.

Compiere dei piccoli gesti quotidiani, che già sappiamo ma raramente facciamo, come :

Andare in bicicletta una volta in più, usare i mezzi pubblici frequentemente, non sprecare acqua e cibo, riutilizzare e dare nuova vita agli oggetti e non cercare sempre qualcosa di nuovo, ma optare per un’opzione di seconda mano.

Agire in modo ecosostenibile significa anche essere più consapevoli di ciò che indossiamo e di conseguenza sapere anche che il sistema moda è uno dei più inquinanti al mondo. 

Il consumismo è comodo perchè ci permette di avere tutto, nuovo e subito… ma questa comodità ha un costo. Che si ripercuote sull’uomo, diventato in molti paesi come schiavo, sugli animali, che vengono maltrattati ingiustamente e trattati come oggetti privi di anima e anche sulla natura che viene bruciata, inquinata e massacrata.

Essere sostenibili non significa non indossare o comprare fast fashion perchè molte volte bisogna tenere conto anche delle proprie disponibilità economiche. Ma possiamo limitare i nostri consumi nei brand di fast fashion e investire su capi che avranno una longevità maggiore. Cercare sempre anche nei negozi vintage e curare i nostri capi, non buttandoli se sono leggermente rovinati.

Quindi queste tre regole:

1. Qualità invece che quantità
2. Negozi vintage o di seconda mano
3. Prendersi cura dei capi che già possediamo

Da consumatori, è importante fare una differenze e saper riconoscere i brand che sono effettivamente ecosostenibili e altri che si spacciano come tali.

Infatti l’ecosostenibilità è diventata un vero e proprio trend, quindi molte aziende, non solo di moda, ma anche del settore alimentare per esempio, hanno cavalcato l’onda dell’ecosostenibilità studiando delle campagne marketing ad oc. Queste campagne non hanno poi spesso delle effettive fondamenta nei vari stadi della produzione, dalla scelta delle materie prime in poi. Ma servono sostanzialmente ad accaparrarsi quel consumatore che cerca di fare delle scelte etiche.

Quindi come discernere un brand di moda fake green da uno veramente impegnato in questa causa?

Prima di tutto possiamo fare delle ricerche autonome online, poi esiste un sito molto utile Good on You che ci guida in questa scelta. Il sito in questione è un deposito di moltissimi brand e cliccando uno a nostra scelta possiamo capire quanto questo sia realmente ecosostenibile in base a tre criteri: rispetto della natura, dell’uomo e degli animali.

In base a delle ricerche e all’ausilio di questo utilissimo strumento vi proponiamo periodicamente una serie di brand estremamente cool ed ecosostenibili e una serie di tips per essere più etici e consapevoli.

Qui sotto le prime di questa settimana. Buona lettura!

1. BEEN London 

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Il brand britannico Been London ha un ranking Great su Good on You, quindi significa che soddisfa i tre criteri sopra citati. Rispetta la natura, l’uomo e gli animali.

Been London utilizza moltissimo materiali ecosostenibili e riciclati, che limitano l’uso di prodotti chimici e lo spreco di acqua. Ha una produzione locale tracciata, che quindi riduce le emissioni di carbonio. Il packaging è riciclato. Non giungono notizie di sfruttamento e infine Been London non utilizza lana, pelliccia o pelle di animali esotici, ma solo pelle riciclata.

2. Kings of Indigo 

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Kings of Indigo è un brand olandese il cui prodotto di punta è il jeans. Utilizza in grande proporzione materiali ecosostenibili che limitano lo spreco di acqua e il consumo di prodotti chimici. Il packaging dei suoi prodotti è ecosostenibile e incoraggia i consumatori a limitare il loro impatto ambientale nell’utilizzo dei jeans Kings of Indigo.

Le condizioni di lavoro sono buone e soddisfano i quattro principi ILO. Ilo è “L’Organizzazione internazionale del lavoro è un’agenzia specializzata delle Nazioni Unite che si occupa di promuovere la giustizia sociale e i diritti umani internazionalmente riconosciuti, con particolare riferimento a quelli riguardanti il lavoro in tutti i suoi aspetti.” Monitora la salute e la sicurezza dei lavoratori terzi nella catena di produzione. Ha in progetto di aumentare i salari nella catena di produzione.  Non utilizza pelliccia, pelle regular e pelle di animali esotici. Utilizza lana riciclata.

3. Left Edit

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Left edit è un brand statunitense.

Utilizza in grande proporzione materiali ecosostenibili, come il tencel. Ha una manifattura locale che riduce le emissioni di carbonio. Si avvale di tinture non tossiche e riduce il consumo di acqua con una tecnica di stampa che non ne ha bisogno. Le condizioni di lavoro sono ottime e garantisce un salario buono in tutta la catena di produzione. Nelle collezioni Left Edit non sono presenti materiali di origine animale ma il brand non si definisce vegano. 

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“Ogni volta che ci accade qualcosa, quel ricordo ci apparterrà per sempre”

È questa una delle frasi più celebri del pluripremiato film d’animazione giapponese “Spirited Away”. Ed è con l’intento di lasciare un segno indelebile nella memoria dei fan che LOEWE ha deciso di rinnovare la collaborazione con Studio Ghibli, già avvenuta lo scorso anno con la capsule di successo “My Neighbor Totoro”.

Ciò che accomuna la casa spagnola di luxury fashion e lo studio cinematografico giapponese è sicuramente l’amore per l’artigianato e l’attenzione maniacale per i dettagli. Così come Hayao Miyazaki, fumettista e sceneggiatore del film, ha fondato tutta la sua carriera sulla ricerca di minimi particolari quali riferimenti a luoghi reali o un’eccessiva cura per la composizione dei propri disegni, allo stesso modo Jonathan Anderson, attuale direttore creativo di LOEWE, ha ottenuto fama internazionale grazie alla sottigliezza delle sue manifatture. La manodopera è proprio l’elemento fondante del brand, nato nel 1846 grazie all’impegno di un piccolo gruppo di artigiani specializzati nella realizzazione di oggetti in pelle.

Non da meno sono valori come il femminismo e la forza attribuita alle donne. LOEWE infatti raggiunge l’apice del suo successo nel ’75 con la sua Amazona bag, creata per le donne che si affacciavano per la prima volta al mondo del lavoro e ispirata al popolo guerriero femminile appartenente alla mitologia greca. Anderson, pertanto, non poteva astenersi dal riproporre una collaborazione con Studio Ghibli. La protagonista di Spirited Away, come afferma lo stesso Miyazaki, non è altro che una piccola eroina con cui tutto il pubblico, più o meno giovane, possa identificarsi. Chihiro, infatti, è una bambina di dieci anni che viene improvvisamente catapultata in una “città incantata” (titolo italiano del film) abitata da streghe e spiriti dai quali è stata privata della propria identità. La dedizione per il duro lavoro e la forza di affrontare le difficoltà è quindi l’ennesimo movente che ha spinto LOEWE a realizzare questa capsule.

La collezione comprende ovviamente indumenti prêt-à-porter come felpe, T-shirt, camicie o bermuda, ma ciò che la rende unica ed esemplare nel suo genere è sicuramente l’innumerevole quantità di accessori, curati tutti con minuzia e peculiarità. Innanzitutto troviamo le borse più rinomate della storia del brand spagnolo quali la Amazona, la Puzzle, la Flamenco, la Hammock e la Cubi bags, rivisitate ovviamente con le immagini dei protagonisti che popolano il mondo stregato di Spirited Away. Ma Anderson non poteva farsi scappare anche la realizzazione di pantofole, portafogli, sciarpe e persino una sontuosa coperta con frange.

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Caratteristica di questa capsule collection è poi il richiamo alla tradizione nipponica attraverso il debutto di Anderson nella sperimentazione di una datata tecnica di design giapponese: la tecnica “boro”. Quest’ultima consiste nel tagliare e ricucire insieme vecchi pezzi di stoffa al fine di dar nuovamente vita a tessuti destinati ad essere gettati via. Il tutto rappezzato dal tipico colore blu indaco del jeans, tinta principale sia del logo di Studio Ghibli che della copertina del film.

Se lo scopo dei prodotti di Miayazaki, ed in particolare di Spirited Away, è quello di apportare all’animazione giapponese una confortevole ondata di freschezza, l’augurio di LOEWE con questa collaborazione è sicuramente quello di scaldare il cuore dei propri consumatori con personaggi animati da indossare.

Scopri l’intera collezione sul sito ufficiale di LOEWE.

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Sororité Vintage nasce come shop online di lingerie vintage con selezioni di lusso che vanno dalle bralette in pizzo bianco di Dior by John Galliano ai corsetti pseudo punk degli albori della carriera di Vivienne Westwood.

L’elemento straordinario che contraddistingue Sororité dal resto del mercato Vintage è appunto la vasta gamma di prodotti scelti. Veri e propri pezzi d’epoca vengono accuratamente ricercati, restaurati e personalizzati da un team di esperte del costume per offrire creazioni assolutamente inimitabili.

Camicie ottocentesche con maniche ampie e bustini di fine Settecento riportano in auge lo stile del primo Romanticismo francese e vengono riadattati in chiave contemporanea per ottenere un’estetica senza tempo. Il risultato di questo meticoloso processo di metamorfosi è un prodotto che racchiude in sé l’essenza del vintage: è nostalgico ma attuale. Ogni capo ha un design rétro ma al contempo adatto ai giorni d’oggi. Le selezioni offerte sono esclusive e per poterle indossare è necessario attendere le periodiche vendite online. Gli acquisti devono essere effettuati con rapidità se non si vuole perdere la possibilità di investire in pezzi unici e introvabili.

Come altri brand vintage anche per Sororité l’etica ambientale è di centrale importanza. Il brand è costruito in maniera completamente sostenibile senza limitarsi al semplice reselling. Non solo l’azienda concede una seconda possibilità a capi già esistenti, evitando i consumi e gli sprechi che altrimenti richiederebbe una nuova produzione, ma anche il packaging viene creato utilizzando materiali riciclati come sacchi di juta, borse di tessuto e scatole di cartone realizzate con scarti post-industriali.

Grazie al suo approccio consapevole e alla sua riscoperta di un capitolo intramontabile della moda, Sororité si sta affermando in questo settore ottenendo un grande apprezzamento anche da parte di star come Vanessa Hudgens, Billie Eilish, Madison Beer, Ariana Grande, Normani e Kylie Jenner.

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L’estate si avvicina! Siete pronti per la prova costume? Fantabody, il brand Made in Italy fondato da Carolina Amoretti, ha lanciato la collezione primavera/estate 2022 mantenendo il messaggio di body positivity che ha sempre sostenuto.

Ne avevamo parlato ampiamente già in questo articolo in cui abbiamo spiegato le sue origini e l’obiettivo del marchio. “Fantabody è per tutte quelle ragazze che vogliono esprimere loro stesse e il loro corpo con libertà e personalità”.

Per avere un corpo adatto e consono alla prova costume è sufficiente averne uno, non importano le sue dimensioni. È questo che Fantabody cerca di trasmettere alle persone, valori come l’amore e l’accettazione di se stessi, in una società in cui purtroppo vengono ancora imposti standard di bellezza e perfezione che non esistono nella realtà.

“Abbracciamo la diversità e incoraggiamo la fiducia in se stessi. Vogliamo che ogni donna si senta potenziata promuovendo la rappresentazione della diversità e progettando prodotti che si adattino bene ai diversi tipi di corpo. Promuoviamo la consapevolezza di sé e l’accettazione come punti di partenza per migliorare attraverso lo sport e altre discipline che aiutano la connessione tra corpo e anima”. Partendo da queste dichiarazioni, che troviamo nel Manifesto presente sul loro sito ufficiale, è stata ideata la nuova collezione R-Evolution, realizzata con una microfibra extra comfortevole e 100% Made in Italy. Bikini, body e tutine aderenti vengono creati in tutte le taglie con materiali di qualità che abbracciano il corpo come una seconda pelle, rendendo i capi adatti per lo sport, la spiaggia o per essere abbinati ai propri accessori preferiti, dando spazio alla propria creatività per ottenere outfit pazzeschi e sempre diversi.

Con questa collezione Fantabody si schiera non solo a favore della body positivity ma anche contro la guerra, lanciando un messaggio di grande attualità e importanza. “Fantabody si è sempre dedicato alla protezione delle comunità di tutto il mondo. Oggi, vi invitiamo a prendere una posizione”. Tramite poche righe e alcuni scatti in cui le modelle indossano capi blu, posando davanti ad un telo con i colori della bandiera nazionale Ucraina su cui si legge la scritta “Stand for Peace”, il brand rende chiara la sua solidarietà nei confronti del popolo colpito dalla guerra.

Stare in silenzio è anch’esso un modo per lanciare un messaggio, in questo caso per acconsentire e Fantabody non ha intenzione di farlo, allineandosi, ancora una volta, dalla parte dell’amore, stavolta non solo verso se stessi ma anche verso gli altri.

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Il marchio nasce nel 2014 e cattura quasi subito l’interesse del pubblico internazionale, che riconosce nelle calzature Malone Souliers uno stile particolarmente sofisticato e chic e un’estrema cura e ricerca nei dettagli. Proprio per questo, i prodotti Malone Souliers soddisfano le alte pretese di una clientela di nicchia, alla ricerca di alta qualità e raffinatezza.

Malone Souliers e Bridgerton sono due mondi estetici che vanno a braccetto e di conseguenza la collaborazione sembra essere nata quasi spontaneamente. Ma scopriamo perché…

Bridgerton è una delle serie tv più seguite di Netflix e la recente uscita della seconda stagione ne ha riconfermato il suo successo globale. É ispirata all’ omonima serie di romanzi della scrittrice Julia Quinn. Racconta delle vicende della potente famiglia Bridgerton, in particolare della figlia maggiore Daphne. Quest’ultima si sta preparando per il suo debutto in società e nel mercato matrimoniale della Londra all’epoca della Reggenza. 

Nella serie tv siamo certamente coinvolti dalla trama, ma l’aspetto che forse colpisce maggiormente in Bridgerton è sicuramente lo stile: i colori, le inquadrature, le atmosfere, le scene, i costumi. Tutto è studiato nei minimi dettagli e tutto è esteticamente coerente e affascinante.

Infatti gli autori e i costumisti sono stati particolarmente in gamba perchè, non solo hanno saputo vestire bene i personaggi e costruire delle belle scenografie, ma sono riusciti soprattutto a creare un immaginario estetico che oggi possiamo immediatamente riconoscere come quello di Bridgerton.

Gli abiti in Bridgerton hanno sicuramente dei richiami all’epoca dei costumi della Reggenza, ma sono stati intelligentemente adattati ad un gusto più contemporaneo. Pertanto il pubblico si sente partecipe, è coinvolto e rapito dell’atmosfera fiabesca e sognante che si respira in ogni scena. Incollati allo schermo non si aspetta altro che il prossimo ballo per vedere dei nuovi costumi…

E la moda, non vive anch’essa degli stessi sentimenti? Idealizza, crea, rapisce, ammalia e strega. 

Proprio per queste caratteristiche Bridgerton si presta molto bene ad una reinterpretazione che va al di là degli schermi. Perciò è stato quasi naturale che molti brand abbiano deciso di collaborare con la serie tv, non solo Malone Souliers, ma anche altri, come per esempio il brand di fast fashion Stradivarius. Tutti cercano di trasmettere la stessa atmosfera da favola che si percepisce guardando anche una sola puntata di Bridgerton.

Malone Souliers ha creato una collezione miscelando elementi propri con quelli del mondo Bridgerton. È riuscito a unire caratteristiche che gli appartengono, quindi l’alta artigianalità del Made in Italy, il design raffinato e il savoir faire a elementi tipici della serie televisiva, come piume, fiori, ricami, e tessuti pregiati. 

Le scarpe di Malone Souliers sono diventate così la rappresentazione materiale del sogno Bridgerton. Una calzatura, ma non solo, un’icona che rappresenta un preciso mondo estetico: quello di Bridgerton.

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Sono appena uscite le capsule collection di N21 in collaborazione con due giovani creativi.

Alessandro Dell’Acqua, direttore creativo di N21, crede nei giovani talenti e lancia due capsule collection in collaborazione con stilistici emergenti: “A conclusione del programma di mentorship ho voluto invitare i designer ad interpretare i codici di N°21 e sono doppiamente contento che Alfredo Cortese di AC9 e Nensi Dojaka abbiano accettato questa scommessa”.

Nensi Dojaka x N°21

Andiamo ad approfondire il tema della capsule collection realizzata in collaborazione con Nensi Dojaka, che è composta da 8 capi in vendita esclusivamente sul sito di N21.

Ritratto di Nensi Dojaka

Vincitrice dell’Lvmh Prize 2021 e molto apprezzata dalle celebrites, Nensi Dojaka è una giovane designer che progetta collezioni inclusive, caratterizzate da giochi di tagli e trasparenze. Questa capsule è frutto di una sintesi tra il suo stile e quello di Alessandro Dell’Acqua, creando il perfetto mix di eleganza e sensualità. 

I capi della capsule, perlopiù abiti, sono perfetti per una donna dallo stile essenziale ma che non vuole rinunciare a quel tocco che la faccia sentire femminile e sofisticata. Gli elementi che caratterizzano questi abiti sono forme asimmetriche, che donano movimento, e tagli cut-out, per mostrare qualche centimetro di pelle, senza rinunciare all’eleganza.

La palette colori della capsule è limitata al total black, scelta che crea un’ulteriore connessione tra i capi e permette di renderli versatili per diverse occasioni.

Alfredo Cortese di AC9 x N°21

Ritratto di Alfredo Cortese

Inoltre, vi proponiamo anche la capsule in collaborazione con Alfredo Cortese di AC9, designer che presenta la sua collezione alla MFW, caratterizzata da uno stile dal gusto clean e charme mediterraneo.

Questa capsule non è ancora in vendita in e-commerce, per questo sono presenti poche immagini dei capi…rimanete connessi per ricevere aggiornamenti!

Da quello che è stato pubblicato sui social, si può osservare che i capi sono realizzati in jersey nelle tonalità del beige. Dai tagli e dalle forme traspare la personalità di AC9, che si abbina perfettamente allo stile della capsule di Nensi Dojaka.

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Donne, arte e suono sono le parole chiave per descrivere il brand francese Ruve, nato da un gruppo di amiche con l’intento di portare un cambiamento positivo alle nuove generazioni.

L’obiettivo del marchio è elevare il corpo femminile ad un nuovo livello di seduzione, abbracciando la propria forza e positività interiore.

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“Crediamo che gli standard odierni non rappresentino la nostra generazione” si legge nel loro sito. “Vogliamo abbattere il confine, ripristinare lo standard di bellezza e accettare quella originale. Ti incoraggiamo ad esprimere il modo in cui vesti e quello in cui vivi con il tuo stile personale. Rimani fedele a te stessa, lascia che la tua personalità e i tuoi vestiti parlino per te e dicano chi sei!”

Asimmetrie, trasparenze e aderenze caratterizzano i capi minimal e al contempo ricchi di dettagli. Il brand si definisce “beautywear” perché è stato pensato per esaltare la bellezza naturale del corpo femminile, abbracciandolo e diventando un tutt’uno con esso piuttosto che un elemento esterno che lo copre.

Ogni settimana vengono creati nuovi capi con design diversi e quelli precedenti vengono messi in archivio. Le serie prodotte sono limitate così da evitare gli sprechi e allo stesso tempo offrire esclusività a ogni creazione. “I vestiti sono come i buoni amici, non te ne servono 1000, hai solo bisogno di quelli giusti”. Seguendo questo principio Ruve propone abiti dai toni neutri che riescono ad essere adatti a tutte le occasioni senza però cadere nella banalità, le collezioni sono facili da abbinare tra loro e offrono tutte il giusto equilibrio tra comfort e glamour.

Più che come un marchio, Ruve è stato pensato come uno stile di vita, un inno alla bellezza che c’è in ogni essere umano, un modo per esaltarla. Si fonda sull’estetica ma non in maniera frivola, cerca la bellezza nei dettagli della vita quotidiana, accompagnando ad ogni collezione anche una playlist musicale che la rappresenti e aiuti a comprenderla.

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Jiyong Kim e la tecnica del sun-fading

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Designer originario della Corea del Sud, Jiyong Kim ha lavorato per brand di lusso come Lemaire, Mihara Yasuhiro e Louis Vuitton, al fianco del genio dello streetwear Virgil Abloh.

Il giovanissimo creativo diplomato alla Central Saint Martins è uno tra gli emergenti più promettenti del settore e, con il suo brand omonimo, sta attuando non solo una vera rivoluzione nel campo della moda ma anche dal punto di vista ambientale.

Le sue creazioni vengono realizzate con tessuti riciclati che successivamente vengono posizionati su manichini o legati ad una recinzione di filo metallico, per poi essere lasciati al sole per un massimo di cinque mesi, in modo che vengano plasmati dagli agenti atmosferici.

Il risultato sono capi unici che non si otterrebbero se prodotti artificialmente e in minor tempo. La scelta dei materiali riciclati non solo mette in discussione i 92 milioni di tonnellate di rifiuti generati dall’industria ogni anno, ma ha come esito anche degli abiti caratterizzati da modelli originali e sfumature dinamiche di decolorazione. Il processo viene accelerato dalle ripetute precipitazioni e dai movimenti causati dal vento, i tessuti vintage sbiadiscono molto più velocemente rispetto a quelli nuovi e si ottiene così una profondità visiva che non può essere replicata dall’uomo.

Le creazioni di Kim sono state recentemente scelte da retailer di fama mondiale quali GR8, Mr Porter e Ssense, perciò sembra che sentiremo ancora parlare del designer e del suo brand in futuro.

E voi? Che ne pensate?

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La collezione di H&M in collaborazione con Iris Apfel uscita il 31 marzo 2022 è già sold-out.

Questo è l’ennesimo successo raggiunto dalla designer che lo scorso 29 agosto ha compiuto 100 anni. L’età non ha mai fermato la sua creatività e il suo essere non solo al passo con i tempi ma addirittura all’avanguardia.

Icona di stile, con la sua stravaganza mai pacchiana, Iris è stata anche designer di interni, arredando, insieme a suo marito Carl Apfel, la Casa Bianca durante le cariche presidenziali di Truman, Eisenhower, Kennedy, Johnson, Nixon, Ford, Carter, Reagan e Clinton.

Ispirata dall’affermazione dell’architetto Robert Venturi, la Apfel si oppone alla famosa frase pronunciata da uno dei pionieri del movimento moderno, Mies Van der Rohe: “Less is more”. Secondo Iris invece: “More is more and less is a bore”.

Con la collezione realizzata per H&M, infatti, ha dato ancora una volta sfogo alla sua eccentricità creando coordinati dai colori vivaci che si alternano a completi in tessuto jacquard floreale e ad abiti ispirati ai caftani, mescolando texture e stampe contrastanti senza togliere classe al risultato finale. «Per me, poter mixare è fondamentale» ha dichiarato. «In questa collezione c’è qualcosa per tutti».

L’obiettivo era quello di creare qualcosa di unico e accessibile a chiunque, la collezione è stata creata per quelle persone che «vogliono apparire un po’ diverse».

Nonostante le stampe eccentriche, gli accessori a forma di rana, i fiori e le frange, la capsule è andata sold-out in poche ore, raggiungendo il risultato auspicato. I capi realizzati hanno riscosso questo successo proprio perché sono unici ma in modo discreto: «Penso che a essere veramente importante sia il look nel suo insieme, perché a volte le persone indossano troppe cose meravigliose tutte insieme, e così non funziona. Quello che conta è il modo in cui sono abbinate» ha dichiarato la Apfel.

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La mano di Carol Christian Poell è da sempre nota per essersi spinta oltre i limiti imposti dalla moda convenzionale. E quale modo migliore di rompere gli schemi se non quello di dar vita a capi d’abbigliamento all’apparenza usurati e disfunzionali? E’ questo il caso delle nuove U-Jack Prosthetic Sneakers, ultimo modello di Drip Shoes appartenenti ad una collezione già in circolo dal 2011.

Sin dai suoi esordi, infatti, lo stilista austriaco ha lottato contro il concetto di collezione, preferendo porre la sua attenzione ai singoli pezzi separatamente. Sfuggendo al lancio stagionale con cui il mondo fashion è strutturato, il marchio CCP diventa sinonimo di libertà e anticonformismo. Anticonformista è proprio la tecnica utilizzata per realizzare le Drip Shoes, il cui nome deriva dall’ “effetto gocciolamento” (in inglese dripping effect) della suola ottenuto gommando artigianalmente la calzatura. Caratteristica principale del modello è infatti quella di essere tinta in capo, così da evidenziare l’aspetto deteriorato di cui il modello si fa già portavoce grazie alle stalattiti plastificate che scompaiono dopo il primo utilizzo.

Fabbricate con pelle di canguro, caviglia prostetica e un’insolita suola pieghevole a forma di U, le U-Jack Prosthetic Sneakers sono forse destinate a diventare la moda “anti-moda” del momento. E voi cosa ne pensate?

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Ma che cosa sono precisamente? Le ugly shoes sono una categoria di scarpe, perlopiù sandali, che comunemente si sono sempre indossate in occasioni in cui si necessita praticità: per stare in casa, per fare giardinaggio oppure per un’uscita in campagna o per una passeggiata. Infatti queste scarpe sono caratterizzate da un grande comfort e da dettagli che le rendono molto facili da portare: suola in gomma, pianta ortopedica e lacci in velcro. Nonostante la grande comodità di queste scarpe, la loro estetica non è particolarmente piacevole e per questo vengono chiamate “ugly”. 

Tra le classiche ugly shoes troviamo: le Birkenstock Arizona e Boston, le Crocs e i sandali Teva.

Sebbene il design delle ugly shoes, come suggerisce la denominazione stessa, non sia gradevole, queste scarpe risultano molto interessanti. Tanto da suscitare la curiosità da parte di molti stilisti e celebrities, che hanno dato una chiave di interpretazione diversa a questo genere di scarpe: da ugly sono diventate estremamente cool.

Per esempio Demna Gvasalia lo stilista di Balenciaga ha deciso di instaurare una collaborazione con Crocs e ha creato un’intera linea dedicata a questa inaspettata partnership tra i due brand. Online si possono trovare e acquistare: Crocs Boots, Hardcrocs Sandal, Crocs Madame 80MM e infine i sandali Pool Crocs.

Perfino il marchio Drew House di Justin Bieber ha prodotto delle Crocs classiche. I sandali sono accessoriati da elementi in gomma rappresentanti  grafiche e personaggi appartenenti all’ immaginario del mondo Drew. Gli elementi in gomma sono rimovibili e inseriti nei fori sulla fiocca delle scarpe e rendono i sandali personalizzabili e molto divertenti.

Invece Dior Uomo ha sorpreso tutti nell’ultima collezione Autunno/Inverno 2022, svelando una collaborazione inaspettata con Birkenstock. Tale evento dimostra quanto le ugly shoes suscitino attualmente interesse e desiderio. Infatti Kim Jones, lo stilista di Dior Homme, ha deciso di instaurare una partnership con Birkenstock e di rivisitare così i modelli classici del brand tedesco, Tokyo e Milano. L’intervento di Jones sul design è stato minimo, ma ha rivoluzionato totalmente la percezione che si ha rispetto a questo tipo di scarpe. I modelli Tokyo e Milano erano considerati antiestetici, delle scarpe da giardinaggio, ma grazie all’operazione di Jones sono diventate un prodotto raffinato e lussuoso, impreziosito dai pregiati ricami dall’ atelier parigino Broderies Vermont.

Infine anche il contributo di influencer e celebrities ha fatto sì che la percezione verso le ugly shoes cambiasse e di conseguenza anche il loro utilizzo. Se prima erano scarpe destinate ad un uso domestico, o a momenti che includessero poca socialità e stile, oggi questo tipo di scarpa è un elemento che aggiunge un pizzico di coolness al nostro guardaroba e al nostro modo di vestire.

Per concludere, le ugly shoes non sono più delle scandalose ciabatte da escursione, ma le scarpe più in tendenza e desiderabili per la stagione calda che si sta  avvicinando.

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Le Saucony Jazz Court, lanciate per la prima volta nel 2021 e diventate immediatamente un must-have, vengono re-interpretate in collaborazione con il brand COLIAC. La limited edition sarà disponibile da metà aprile 2022 in selezionate vetrine Italiane.

L’iconico modello Jazz Court, originariamente nato come omaggio al grande classico della scarpa da tennis, subisce un’evoluzione grazie al contributo del marchio nato nel 2013 dalla passione e creatività di Martina Grasselli, che reinterpreta e caratterizza le sue calzature fondendole con il mondo del gioiello e utilizzando elementi visivi e rimandi concettuali che permettono di donare ad ogni sua creazione una veste elegante e unica.

“La limited edition che ho creato per Saucony è un tributo all’ornamento, espresso attraverso i dettagli preziosi, caratteristici del mio brand. L’approccio unico e irriverente di COLIAC si fonde con il know-how artigianale e i valori di un brand storico come Saucony, la cui unione mi ha portato a creare pezzi eleganti e unici”. Racconta la designer.

Ispirata alle radici del tennis, la Jazz Court, rigorosamente in pelle, unisce una suola ideata appositamente per lo sport ad una tomaia in due versioni di colore: bianco e nero, impreziosite da gioielli incastonati rispettivamente argento e oro. Il risultato è una rielaborazione contemporanea degli archivi storici Saucony.

Martina Grasselli, dopo le importanti esperienze lavorative effettuate da Christian Louboutin, Jean-Paul Gaultier e Stella McCartney, avvia la sua azienda personale e con essa viene scelta da Vogue Talents, il progetto di scouting di Vogue Italia lanciato nel 2009 e attraverso il quale Condé Nast Italia supporta la nuova generazione di creativi.

“Vogue Talents è un importantissimo hub di creatività dove il know how di Vogue Italia e il talento dei Designers sono il valore aggiunto attraverso cui sviluppare progetti mirati alla realizzazione del prodotto.” Afferma Andrea Rogg, Vice Presidente e Global General Manager per Saucony Originals. “La sinergia tra Saucony Originals e Condé Nast ha radici profonde, siamo legati sin dal debutto in Italia della collezione, risalente a più di dieci anni fa. Scegliere e seguire questa collaborazione artistica ci ha entusiasmato molto, non abbiamo avuto un attimo di esitazione nell’affidare uno dei nostri modelli più iconici alla visione di Vogue Talents unita alla creatività di COLIAC e non vediamo l’ora di poter svelare al pubblico il risultato”.

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Dyson non manca mai di stupire, la nota azienda inglese è piuttosto conosciuta nel campo degli elettrodomestici: prodotti al massimo dell’hi tech, tecnologia di alto livello e un’ottima funzionalità per vari elettrodomestici di alta gamma. La tecnologia Dyson è unica nel suo genere, all’avanguardia sin dal 1979, anno in cui produsse il primo aspirapolvere senza sacchetto. Dopo gli ultimi prodotti sul mercato di cui l’esempio più recente è il purificatore ad aria; Dyson mette in campo una soluzione progettata per pulire l’aria che viene respirata nelle città, in modo tale da evitare che nel corpo possano entrare gas, allergeni e particolato, tutto mentre vengono bloccati pure i rumori esterni e si ascolta la propria musica preferita.

Dyson ha fatto il suo ingresso nel settore audio e per farlo ha lanciato le Dyson Zone, ovvero cuffie dotate di cancellazione attiva del rumore, particolarità già presente per esempio nelle Air Pods Maxi di Apple, che però hanno una particolarità che non può passare inosservata e che va a rivelare l’indole dell’azienda andando a fare la netta differenza rispetto a quanto proposto dalla concorrenza: la presenza di una speciale maschera facciale antinquinamento che filtra l’aria.

Le cuffie hanno dei compressori in ogni padiglione che vanno ad aspirare l’aria mediante i filtri a doppio strato che successivamente soffiano nel naso e nella bocca due flussi d’aria purificata. Da notare che la maschera facciale non va a contatto diretto con la pelle del viso di chi la indossa, così da evitare irritazioni e allergie, ma sono comunque presenti delle alette che impediscono che i venti laterali possano entrare nel naso senza prima subire il processo di purificazione. Non manca un sistema integrato capace di adeguare il livello di purificazione a seconda dell’attività condotta e che eventualmente può essere impostato pure in maniera manuale.

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La collezione Primavera 2022 rilasciata da Kith l’11 febbraio ha un assortimento veramente ampio di prodotti. Ad attirare la nostra attenzione è sicuramente la capsule Begonia, ispirata appunto al fiore da cui prende il nome.

La capsule, realizzata completamente in cotone, comprende felpe con il cappuccio, con la zip e senza, pantaloni abbinati e anche giacche Coach trapuntate. I colori variano dal verde, al blu, al beige e sono tutti scuri, una scelta un po’ insolita considerata la stagione ma che conferisce un tocco vintage e nostalgico a ogni pezzo. Inoltre, considerando che tutti i capi hanno il pattern floreale, la scelta dei colori sembra essere stata pensata accuratamente per non sovrastare il punto focale del design: la Begonia.

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Tutta la collezione primaverile di Kith, disponibile per uomo, donna e bambino, presenta toni neutri e materiali di altissima qualità. I fiori, inoltre, sono un elemento ricorrente che riporta alla mente in maniera istantanea l’immaginario della stagione. Il volto scelto per il lookbook è il famosissimo attore Steve Buscemi, che posa perfettamente a proprio agio seduto su finti prati, ricoprendo la nuova veste di modello in maniera perfetta.

E tu? La indosserai?

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Kith ha collaborato nuovamente con Clarks Originals, aggiungendo alle sneakers uscite l’11 Febbraio, in occasione della collezione Primavera 2022, due nuove colorway del modello Breacon e introducendo le silhouette Rossendale e Maycliffe, disponibili da venerdì 25 marzo 2022.

Per la penultima uscita Ronnie Fieg aveva rivisitato la classica silhouette Lockhill, aggiungendo ai materiali di alta qualità come la pelle scamosciata e nubuck i colori dell’ultima collezione: giallo, blu, terra, fucsia, bianco e celeste, tutti scelti per riprendere le tonalità degli abiti.

Non è la prima volta che Kith lavora insieme al brand fondato nel 1825 dai fratelli Clarks, rivisitando quasi tutti i modelli di scarpe più celebri prodotti nel corso dei 200 anni trascorsi dalla fondazione del marchio inglese.

Partendo dal classico Desert Boot  con colori neutri come il beige e il nero, passando per la silhouette Caravan fino a giungere all’iconica Wallabee, realizzata anche nella versione in collaborazione con la MLB (Major League of Baseball) che riporta lo stemma dei New York Yankees e dei New York Mets sulla punta della scarpa, le rivisitazioni della tradizione Clarks da parte di Kith sembrano non avere fine.

Il frutto di questa unione duratura, tuttavia, varia sempre non solo nelle forme ma anche nei colori e nella fantasie proposte. Si passa dai toni più semplici, perfetti per l’autunno, a quelli più audaci e allegri per i mesi più caldi. Ci sono anche proposte inaspettate come i pattern floreali, geometrici e astratti che uniscono la storia e la qualità di Clarks alla fantasia e alla creatività di Kith.

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Un inno allo spirito libero, all’amicizia e allo sport è la collezione di FILA, che,  si unisce a VR46 Riders Academy,  fondata da Valentino Rossi.
La collaborazione nasce per lanciare insieme la prima capsule collection di abbigliamento uomo e donna ispirata al mondo dello sport e al lifestyle. I colori, le stampe e il design riflettono la passione e la determinazione dei piloti della VR46 Riders Academy: Fila incontra nuovamente il motociclismo, un’eredità dei primi anni 2000, quand’era in prima linea nel mondo della MotoGP.

I modelli e la narrazione della collection vogliono rappresentare il mondo dei giovani motociclisti dell’accademia, la loro vita e le loro sfide quotidiane, come suggerito dai tessuti stampati, dagli stili e dai colori che raccontano le storie di amicizia, forza di volontà, passione, perseveranza e determinazione alla base del loro talento.

Il lancio della collezione è avvenuto a marzo, nell’ambito della stagione primavera-estate 2022 presso lo store ufficiale VR46 e presso alcuni rivenditori selezionati in Europa.

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Gallery Department torna a sorpresa tramite una seconda collaborazione con Lanvin.

La partnership stupisce non solo per via della natura misteriosa del brand fondato da Josué Thomas nel 2017, ma anche e soprattutto considerando il fatto che era stata annunciata la sua chiusura definitiva solo pochi mesi fa.

Il marchio, indossato da star come i Migos e LeBron James, aveva già collaborato con Lanvin ottenendo un risultato sbalorditivo. Il brand di lusso aveva infatti dato carta bianca a Thomas permettendogli di sperimentare con una collezione ibrida tra l’alta moda e la sua creatività inusuale.

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Ancora una volta, dall’unione di Lanvin x Gallery Department, emerge uno stile urban del tutto originale, con pezzi iconici trasformati da un tocco artistico. La collezione porta con sé un totale senso di energia e libertà, tramite abiti decorati con tecniche go-to come le gocce di vernice, felpe e sneakers ispirate alla cultura degli skater, dimensioni apparentemente lontane da un marchio lussuoso come Lanvin, ma che si amalgamano ai capi creati in una maniera perfettamente funzionante.

Questa seconda collaborazione si incontra veramente nel mezzo delle due etichette. La tradizione di Lanvin viene proiettata nella modernità contemporanea ma senza forzature, considerando che il suo avvicinamento allo streetwear sta avvenendo in maniera graduale. A Gallery Dept. viene invece dato lo spazio per approfondire ulteriormente la sua storia misteriosa. L’ultima collezione è frutto di uno studio talmente dettagliato che viene spontaneo chiedersi se l’annuncio della chiusura risalente a poco tempo fa fosse reale o, al contrario, semplicemente una mossa di marketing per creare più hype in vista di questa seconda uscita.

Per sapere se il brand di Thomas chiuderà veramente i battenti non ci resta che attendere, nel frattempo, però, possiamo godere del suo fantastico contributo grazie al sodalizio con la casa di moda francese.

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Al V&A Museum di Londra sono transitate numerose mostre, di vario genere, come la storia del museo vuole: dai dipinti all’oggettistica. Gucci, ancora una volta, ci dà l’ennesimo motivo per sentirci orgogliosi della creatività italiana. La mostra londinese, aperta fino al 6 novembre 2022, rende omaggio al made in Italy con un excursus storico sulla moda maschile dal 1945 ad oggi; questa è, infatti, la prima mostra dedicata totalmente all’abbigliamento maschile.

The Fashioning Masculinities: the art of menswear è una vera e propria celebrazione del guardaroba maschile.Nata in collaborazione con Gucci Sainsbury Gallery, viene dedicata, non certo alla mera rappresentazione dell’abbigliamento maschile bensì alla sua evoluzione nei secoli: si gioca con i contrasti. Quella che vediamo non è una semplice esposizione di abiti, un mettere in fila stili di abbigliamento nei secoli ma un percorso fluido tra i grandi capolavori del Rinascimento che si affiancano alle creazioni attuali; si passa tra quelli che erano gli ideali classici per spostarsi alle rivisitazioni moderne della moda maschile.

Non ci si deve sorprendere, quindi, se nel percorso che si snoda attraverso tre sale espositive del prestigioso Victoria and Albert Museum, ci si imbatte nell’Apollo del Belvedere posizionato di fronte a fotografie di Hockney le quali a loro volta sono accanto alla pubblicità di Calvin Klein. Passiamo da dipinti rinascimentali che si confrontano con modelli di abiti indossati da Harry Styles, Sam Smith e ancora David Bowie e Marlene Dietrich. Tutto questo gioca sul contrasto tra epoche, stili e tempi diversi per celebrare la molteplicità della linea sartoriale maschile.

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VISVIM è un brand giapponese fondato da Hiroki Nakamura nel 2001. Il marchio ha sede a Tokyo, e ha negozi in Giappone e negli Stati Uniti ma è venduto anche a livello internazionale in grandi magazzini e boutique, oltre che online.

Fin dalla sua fondazione è alla continua ricerca di un senso universale della bellezza e di prodotti dal valore reale e duraturo.

Ogni collezione stagionale propone calzature, capi d’abbigliamento e accessori ispirati all’artigianato genuino di tutto il mondo; una reinterpretazione di competenze ereditate e tramandate di generazione in generazione. I prodotti del marchio richiedono tempo e cura per essere realizzati e sono pensati per persone che sviluppano un apprezzamento e un sentimentalismo per una bellezza che viene goduta e valorizzata nel tempo.

VISVIM ha realizzato diverse divisioni, tra cui la linea WMV, dedicata all’abbigliamento femminile, e quella F.I.L. Indigo Camping Trailer, che si occupa di abbigliamento maschile concettuale incorporando tessuti vintage cuciti a mano ad un fascino e una bellezza unici.

VISVIM SPORT è, invece, la proposta più recente del marchio, una nuova idea di utility wear adatto sia per l’esercizio fisico che per l’attività all’aperto.

Il design e la funzionalità vengono reinterpretati utilizzando tessuti naturali. Le fibre possiedono un’elevata traspirabilità e allo stesso tempo proprietà isolanti. Il marchio si ispira alla tradizione e ai materiali che venivano adottati per l’uso sportivo prima del 1950, cioè prima della nascita e diffusione dei tessuti sintetici.

I capi proposti dalla linea VISVIM SPORT sono realizzati con lana grezza neozelandese pregiata. Si tratta di un materiale raro che non è solo morbido al tatto, ma anche molto denso e robusto, caratterizzato da una texture fine e ad alta elasticità. Questo tessuto è altamente traspirante e ad asciugatura rapida e una delle sue caratteristiche principali è che può anche essere lavato con acqua grazie a un trattamento speciale.

Insomma, qualunque sia la linea di riferimento, l’obiettivo di VISVIM resta sempre quello di offrire comfort, qualità e stile.

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Lemaire

Il designer, affiancato dalla sua collaboratrice Sarah-Linh Tran, reinterpreta i classici dell’abbigliamento maschile in chiave moderna offrendo tagli sottili e materiali di altissima qualità. Pantaloni, camicie e capispalla sono realizzati con sartoriale meticolosità, unendo uno stile elegante e raffinato alla praticità quotidiana.

Ogni collezione viene ideata e prodotta nello storico quartiere di Marais a Parigi, situata a pochi passi dalla boutique di punta di Lemaire in 28 rue de Poitou.

Il marchio si fonda su un’idea di guardaroba che punta alla creazione di pezzi semplici, versatili e al tempo stesso alla moda e l’ultima collezione autunno/inverno 2022 ne è un chiaro esempio.

Concepita pensando all’idea del viaggio, la collezione rappresenta alla perfezione l’anima del brand. Come afferma la giornalista Tina Isaac-Goizé, infatti, “il lusso discreto è il territorio di casa di Lemaire”, perciò i capi proposti sono versatili ed eleganti. In passerella sono stati presentati look femminili, maschili e unisex, trench che possono essere indossati come cappotti o gilet, giacche in denim e una camicia marmorizzata rossa realizzata in collaborazione con  l’artista Frédérique Pelletier.

Ogni capo è stato ideato per essere intercambiabile e sorge spontaneo immaginare di vederlo indossato non solo per le strade di Parigi ma in giro per tutto il mondo. “Vestirsi è un po’ come viaggiare” ha dichiarato Lemaire. “Ti vesti, vai da qualcuno, o hai una destinazione in mente”. E la collezione è stata pensata esattamente così, per essere adatta ad ogni occasione e rendere chiunque la indossi pronto ad ogni nuova avventura.

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In questi giorni è diventata virale sul web una foto che mostra una sneaker Triple S Balenciaga che è stata rivisitata con l’aggiunta del co-branding Adidas. Si vocifera dunque una collaborazione tra i due brand.

In attesa che questa notizia venga confermata, parliamo di una collaborazione di Adidas ormai consolidata: quella con Fear of God.

Il 22 dicembre 2020, Jerry Lorenzo, fondatore del brand Fear of God, ha annunciato una “partnership a lungo termine” con uno dei marchi sportivi più famosi al mondo: Adidas.

Esattamente come fece Kanye West con YEEZY, Lorenzo, in cerca di maggiore stabilità, ha chiuso i rapporti con Nike per aprire un nuovo capitolo con quello che è probabilmente il concorrente più diretto di quest’ultima.

L’obbiettivo di tale sodalizio è, infatti, molto ambizioso. Si tratta di far risorgere la divisione Adidas Basketball, sprigionandone il potenziale e dandole l’attenzione che merita. Perciò è stata fondata una vera e propria sub-label, Fear Of God Athletics, destinata alla creazione di capi activewear alla moda e prodotti specifici per il basket.

Un’unione destinata a durare se consideriamo che ad oggi, a parte qualche anteprima vista indosso al designer stesso, non ci sono notizie sulla data del primo drop e sul suo contenuto.

Nel frattempo, però, a gennaio è stata organizzata a Shangai una mostra del merchandise esclusivo, ideata per presentare il marchio collettivo ma che “NON farà parte della collezione athletics in uscita alla fine dell’anno” come dichiarato nel profilo Instagram ufficiale di Jerry Lorenzo.

 

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Dunque dovremo attendere ancora qualche mese prima di poter finalmente vedere e indossare i capi Adidas x Fear of God, ma, dal grande lavoro che sembra esserci dietro, le aspettative si fanno sempre più alte.

Voi cosa ne pensate?

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Vi avevamo già presentato ERL, brand americano ideato da Eli Russell Linnetz, in questo articolo pubblicato il 24 novembre 2020.

Se le prime collezioni presentate erano caratterizzate da colori sgargianti, motivi pop uniti all’estetica dei surfisti, degli skater e dei ragazzi sbarazzini che popolano Los Angeles, per la collezione ready-to-wear autunno/inverno 2022, il designer propone tonalità di colore più adatte alle stagioni fredde, ma le sue creazioni restano tutt’altro che minimal.

Pattern tartan, teschi, fiamme e stelle sono solo alcuni esempi dei motivi utilizzati sia per i capi maschili che per quelli femminili. Lo stilista non propone più look da skater ma da snowboarder, in linea con i mesi in cui i capi andranno indossati.

The gallery was not found!

Il minimo comune determinatore delle creazioni di Linnetz resta, però, sempre l’immaginario americano e, in questo caso in particolare, quello tipico degli anni ‘90. I motivi a stelle e strisce, l’uso dei colori della bandiera nazionale statunitense, il riferimento al football e ancora le citazioni a Jimi Hendrix, tutti elementi che rendono evidente la provenienza del designer e soprattutto il suo attaccamento alle sue origini.

Il suo patriottismo, anch’esso tipico di chi nasce negli U.S.A. lo rende un degno successore di designer americani come Calvin Klein, Ralph Lauren e Dapper Dan, che, come lui, rendono l’ordinario straordinario.

Un altro elemento evidente nell’ultima collezione di ERL, è la sua passione per il cinema e la fotografia. Prima di dare vita al proprio brand, infatti, Linnetz ha lavorato come fotografo, regista e produttore, collaborando con artisti del calibro di Kid Cudi, Teyana Taylor, Lady Gaga e Woody Allen. Tra i suoi lavori più famosi c’è sicuramente il video di Famous, diretto per Kanye West.

Forse questa è una delle ragioni per cui i modelli della sua ultima collezione sembrano essere usciti direttamente da un teen-age film americano degli anni ’90.

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La nuova collezione Gucci Nojum fa parte della, più ampia, collezione Gucci Love Parade: presentata nel 2021 a Hollywood, con un front row stellare e una scenografia degna del contesto in cui è avvenuta la sfilata, la linea Gucci Love Parade si amplia con la capsule collection Gucci Nojum.

Nojum in arabo significa “stelle”, questa parola viene usata per evocare la luce degli astri celesti nel cielo notturno, uno spettacolo delle notti arabe che viene richiamato dai dettagli metallici e scintillanti presenti in questa collezione. Dalle borse, come ad esempio il modello Gucci Diana, agli abiti, sia per la linea donna che uomo piccoli dettagli oppure intere presentazioni in oro rendono omaggio al tema centrale di questa capsule. I prodotti appaiono in un portfolio di immagini che Gucci ha realizzato in collaborazione con Mille Word, una piattaforma digitale che fa da supporto alla presentazione della collezione.

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Veja è risaltata negli ultimi anni per il minimalismo delle sue sneakers: questo minimalismo ora deve essere “dimenticato”. Prendiamo i due modelli di sneakers, le V-10 e, ancora più recenti V-15 alte alla caviglia.

Questi modelli sono assemblati a mano, fatte totalmente in materiale ecologico e saltano subito all’occhio per i loro colori vivaci, un mix di tonalità accese, che riprendono quelli che sono gli scarabocchi dei bambini; entrambi hanno la scritta Marni in nero, sul tallone. Qui si ha l’incrocio perfetto tra il gusto per il colore di Marni e il minimalismo funzionale di Veja.

La collaborazione Veja x Marni vede nascere così due modelli che portano in scena lo spirito giocoso, quella semplicità nel voler usare i colori tipica dei bambini, i quali non hanno bisogno di grandi opere per mostrare il loro lato artistico, a loro basta scarabocchiare con i colori accessi, rosso, arancione, verde, giallo e anche blu e nero una tela bianca per renderla divertente, solare, giocosa. Sono disponibili su SHOPenauer: nella versione multicolor, a 270.00 €, e nella versione rosa, a 225.00 €.

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Ralph Lauren è famoso, tra i luxury brand, per il portare in scena attraverso la moda pezzi della storia americana. La nuova collezione, che uscirà il 29 marzo è un omaggio alle HBCU, ovvero le università e college statunitensi fondati prima dell’emanazione del Civil Rights Act del 1964 con l’intenzione di servire le comunità afro-statunitense.

Questa collezione rende onore alla ricca eredità culturale e alla tradizione sartoriale delle università, oltre che supporto agli studenti: sono celebrati due illustri istituti che hanno dato un grande apporto allo stile americano, durante il XIX secolo. Il Morehouse College e lo Spelman College, entrambi situati ad Atlanta sono l’equivalente di Harvard e Radclife College per l’istruzione afroamericana.

Nella sua collezione Ralph Lauren, reinterpreta la tradizione dello stile college, arrivando a scrivere un nuovo capitolo nel grande libro della sua storia americana: questa collezione che uscirà il 29 marzo, è stata disegnata in esclusiva per i due college.
Non resta che attendere i dettagli, che lo stilista stesso, rivelerà nei prossimi giorni.

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Dall’idea creativa di Dafne Maio, nasce nel 2016 DADAMAX. Un brand di upcycling davvero unico.

I capi disponibili sul suo sito, infatti, non sono solamente pezzi vintage raccolti e selezionati con cura, ma vengono decorati e modificati da Dada, che con i suoi ricami eseguiti in freestyle, li customizza personalmente.

Ho avuto la possibilità di chiacchierare con lei e di farle alcune domande.

Innanzitutto, chi è Dada?

“Sono una designer di 32 anni, ho studiato moda alla Marangoni di Milano. Ho iniziato a lavorare per alcune aziende, ma preferivo il lavoro da freelancer.

Nel 2012 ho perso mio papà, lui era una persona molto distinta e aveva un guardaroba classico. Per poter mettere i suoi capi li riadattavo, stringendoli e cucendoli. Ho iniziato a cucire a 13 anni, la macchina da cucire è la mia penna.

Amo l’espressione artistica senza tenere conto di quello che accade, nella moda spesso si segue una corrente, io preferisco non farlo. Secondo me i capi hanno l’odore della loro storia, voglio dare loro una seconda vita, sono contraria  alla produzione, non ha più senso fare le cose da zero.”

Come nasce DADAMAX?

“DADAMAX nasce inconsapevolmente. In contemporanea al mio lavoro per altri brand, sentivo la necessità di avere uno spazio senza compromessi per potermi esprimere, volevo i capi di mio padre addosso e avevo l’esigenza di modificarli per poterli indossare.

Solo dopo, con grande stupore, ho scoperto che agli altri piaceva ciò che creavo. Ho capito che in molti hanno come me questo animo nostalgico, ma non inteso come attaccato al passato, semplicemente alcuni capi diventano amuleti, cimeli di famiglia. Da lì ho iniziato a fare ciò che prima facevo solo per me anche per gli altri,  su commissione.

Nel 2020 mi sono trasferita a Napoli perché a Milano, dove ho vissuto e lavorato per tanti anni, DADAMAX era lasciata all’ultimo posto, e io volevo dargli il giusto spazio, perciò ho aperto il mio laboratorio.”

Quando nasce la tua passione per il vintage?

“La mia passione per il vintage nasce da giovanissima. Ricordo che a 15 anni, prima di andare a scuola passavo nel mercatino di fronte all’istituto per comprare giacche e vestiti vintage e già da allora li customizzavo. A Formia, città da cui provengo, non esistevano i negozi alternativi che adesso è facile trovare, perciò prendevo i capi e li riadattavo.”

Le tue customizzazioni vengono realizzate in freestyle, dove trovi ispirazione?

“Per quanto riguarda i lavori su commissione generalmente faccio prima una bozza, però poi sono io che ricamo con la macchina da cucire.

Per il resto invece l’ispirazione la prendo da me, da dentro di me. Ad esempio ricamo spesso un volto e non saprei neanche dire chi raffigura, non è un ritratto di qualcuno in particolare, non è nessuno, o sono tutti.

Per sviluppare una collezione di moda la ricerca va benissimo, mi è capitato quando lavoravo in azienda di fare ricerca su sfilate per costruire una collezione. Ma così rischi anche di omologarti. Se vieni influenzato troppo, se ricevi troppi input, non riesci poi a ritrovarti, perdi il filo del discorso che vuoi comunicare. L’ispirazione, perché sia autentica, secondo me devi cercarla dentro di te. Per lanciare un messaggio mi ascolto e trasferisco ciò che sento.”

Si dice che la moda sia cambiamento, per te che significato ha?

“Non capisco questa affermazione sulla moda, il cambiamento, cosa voglia dire. Secondo me non è cambiamento ma comunicazione. Io la vedo come un modo di comunicare un messaggio, qualsiasi esso sia. Quando ho scelto di studiare moda era perché amavo l’arte e mi piaceva poter comunicare attraverso i tessuti e attraverso gli abiti, mi piaceva poter pensare a loro come se fossero tele. Ho scelto la moda per non dover parlare.

È comunicazione, uno dei vettori per esprimere se stessi o un concetto. E, fondamentalmente, per come la vivo io, non solo da designer ma anche da cliente, la moda è anche una forma d’arte.”

Nonostante non tutto ciò che fa parte della moda possa essere considerato arte, sicuramente le creazioni di Dada lo sono. Trasmettono un messaggio, tramite volti, fiori e frasi d’amore, dimostrando quanto il mondo del fashion vada ben oltre la frivolezza che in troppi ancora gli associano. Nei suoi abiti c’è la storia, l’affetto, la passione e le emozioni di chi li possedeva originariamente, dell’artista che li ha selezionati e ricamati con cura e delle persone che li indosseranno una volta ultimati.

Perché la moda è anche questo: dare nuova vita.

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La crescita di Formy Studio

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Avevamo già menzionato Domenico Formichetti in questo articolo nel 2020, ma il suo brand Formy Studio è cresciuto talmente tanto nel giro di poco tempo che è necessario approfondire l’argomento.

 

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Classe ’93, Domenico Formichetti ha studiato grafica all’Accademia di Brera e ha poi approfondito le sue conoscenze alla Nuova Accademia di Belle Arti. Il suo percorso nella moda inizia con la fondazione di FOMO (Fear Of Missing Out), primo progetto ufficiale che, dopo la collaborazione con Mercy, si è evoluto naturalmente fino a giungere alla fondazione di Formy Studio. Ma dalla prima collezione “Hot Stuff”, rilasciata da quest’ultimo ad agosto 2018, c’è stata una crescita strabiliante.

 

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Se, ad oggi, il mondo streetwear è una realtà consolidata che fa ormai parte anche del luxury, Domenico Formichetti è sicuramente tra i suoi pionieri, almeno per quanto riguarda l’Italia. Dalle prime collaborazioni con Sfera Ebbasta, come stylist e poi come designer, il giovane stilista originario di Chieti, ha creato un progetto completamente Made in Italy, caratterizzato dal suo stile unico e inconfondibile, che trasforma il casual in alta moda.

Dietro il suo successo c’è sicuramente anche tanta ricerca, già nel 2018 si era infatti recato in Giappone per cercare ispirazione e oggi, se si parla di moda non si può non conoscerlo. Formy Studio ha superato i confini della penisola ed è stato apprezzato da artisti internazionali come Swae Lee, J Balvin e Tyga.

 

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Dopo il successo della capsule collection primavera/estate 2021 ATLAS, in collaborazione con Marco Petrus, in cui il brand ha riprodotto le famose geometrie e i colori delle opere dell’artista su t-shirt, shorts, camicie e giacche, Formy Studio ritorna alle origini con la capsule Rebirth, in cui alcuni outfit iconici in denim Levi’s sono stati customizzati e riportati ad una nuova vita, tramite l’utilizzo di ricami, pattern camo e tagli baggy.

 

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Ogni processo creativo di Formichetti risulta essere unico nel suo genere, mai banale o simile a quello precedente. Lui stesso nel 2018 ha affermato: “È solo l’inizio, il meglio deve ancora venire” e, nel corso di questi anni, continua a dimostrarlo.

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Il civico 11 bis di Rue Francois ospita la “Galerie” di Dior: una scala in marmo bianco permette di passare per un Diorama di, circa, 1870 oggetti del mondo Dior. All’interno la Galerie Dior è un omaggio allo stilista, pezzi che ripercorrono la sua storia, nonché, quella della Maison.

Si passa dall’esposizione di miniature di abiti creati dai sette coutier ufficiali: C.Dior, Y.S.Laurent, Marc Bohan, Gianfranco Ferrè, John Galliano, R.Simons e Maria Grazia Chiuri. Abiti dalla prima sfilata (12 febbraio 1947) ad oggi si uniscono a borse “Lady D” o “Saddle”, boccette di profumo “J’adore” e berretti di Steven Jones.

1422 pezzi, dalle iconiche borse agli abiti, scarpe e i profumi, sono stati riprodotti in colori accesi e con materiali innovativi usando 30 stampanti in tre dimensioni :queste hanno lavorato 24 ore su 24 e sette giorni su sette arrivando a completare la produzione in sei mesi.

Ci sono anche, ad accompagnare l’esposizione, video di tutti i couturier della Maison al lavoro nell’atelier, che ancora oggi occupa il quarto e quinto piano sopra La Galerie.

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Garment Workshop è un brand che nasce dall’idea creativa di Federico Barengo,  che con i suoi 285.000 iscritti sul suo account YouTube e 251.000 follower su Instagram, è ormai diventato un punto di riferimento del mondo streetwear.

Il marchio, nato nel 2021, oltre ad essere 100% Made in Italy, si basa su informazione, consapevolezza del consumatore e trasparenza dei costi.

“La mia idea di prodotto è qualcosa che può essere fisicamente, culturalmente ed emotivamente durevole. Garment Workshop vuole abbracciare l’idea di un guardaroba contemporaneo che sia fatto per durare in più di un senso” scrive Barengo sul sito web ufficiale.

Tra le caratteristiche distintive del progetto non c’è solo un elevato rapporto qualità-prezzo ma anche un grande studio, a partire dai cartamodelli fino a giungere all’accuratissima ricerca dei materiali.

La trasparenza è un altro elemento fondamentale del brand che, fin dal primo post pubblicato sul suo account Instagram ufficiale, permette di comprendere meglio le dinamiche che regolano l’industria dell’abbigliamento. Federico Barengo condivide ogni step dietro la creazione dei suoi prodotti, portando i suoi follower virtualmente sempre con lui e condividendo tramite i video su YouTube  e le IgStories ogni passo necessario per arrivare al risultato finale.

 

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In un’epoca in cui il fast fashion è dominante, Garment Workshop si distingue per la notevole ricerca, la cura dei dettagli, la qualità di ogni articolo e la trasparenza, che lo rendono uno dei giovani marchi Made in Italy più interessanti del momento.

Questa settimana avverrà il nuovo drop di felpe in maglieria 100% cotone. Dal peso di circa 1kg e mezzo e con un fit boxy, le hoodie con il cappuccio e la classica tasca centrale sul davanti saranno disponibili nei colori Moka Brown, Blue Royal e Cream al prezzo di 135€.

 

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Successivamente verranno rilasciate anche nella versione senza tasca e cappuccio. Le felpe crew neck avranno, però, colori pastello come il Pastel Pink.

Prossimamente Garment Workshop annuncerà la data della release sulle sue Ig Stories, perciò seguiteli e restate connessi se non volete perdervele.

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Dolce e Gabbana hanno uno stile inconfondibile, le loro stampe e i loro disegni così come le silhouette degli abiti sono decisamente impossibili da non riconoscere. Questo stile è stato accostato a colori e disegni che si ispirano al mondo della Natura. Nasce così la nuova collezione Dolce e Gabbana Sunrise.  Una special collection che vede stampe floreali, varie palette cromatiche ad evocare gemme naturali e uno stile, anche, casual far parte di abiti vaporosi, t-shirt dai tessuti confortevoli, leggins e felpe over che costituiscono la linea donna.

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Per l’uomo, le tonalità del cuoio, calde nuance di color sabbia, marrone e rosso granato fanno parte di una linea sportiva ma decisamente essenziale: vediamo così polo in piquet, shorts in lino e t-shirt in jersey rivestire colori come la terracotta, verde scuro per le felpe comfort abbinato a un caldo sabbia e arancio per camicie in seta.

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C’è anche una linea per i più piccoli: una versione giocosa e brillante delle combinazioni di stile Uomo e Donna. Dove le tonalità di colore e le stampe sono pressoché le stesse ma assumono quell’aria sbarazzina che serve per i capi per bambini.

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Craig Green e Moncler arrivano alla loro sesta collaborazione. Dettagli di questa rinnovata unione tra la maison italo-francese e lo stilista britannico stanno uscendo in questi giorni sui social. La pagina instagram di Moncler ci mostra proposte di una praticità elevata dove a far da padrone sono i colori audaci associati ai toni della terra.

La nuova collezione ha forme ispirate alla natura, tema portante della collezione primaverile di molte case di moda, silhouette funzionali e grafiche essenziali si uniscono allo spirito avventuroso tipico di Moncler e danno un maggior risalto ai materiali di nuova generazione. La selezione dei tessuti iconici predilige il nylon ripstop e i cotoni lavati in una palette di toni naturali e colori della terra con lampi di colore come l’arancione neon, l’azzurro cielo, il verde erba e il giallo limone, oltre al blu e al nero. Una collezione che si presenta come un qualcosa di prettamente artistico, capi in cui si testa la novità dei tessuti di nuova generazione e i temi sono pura espressività artistica del designer.

Il mix perfetto per il concetto di capi creati con la funzione di affrontare gli elementi naturali: si pensi all’intramontabile linea Grenoble per lo sci e, per esempio, la collezione che celebrava i 60 dall’ascesa del K2, “Moncler Lionel Terray” dove i piumini Moncler furono portati ad un alto livello di tecnicità per poter essere indossati dai membri della spedizione italiana che nel 1954 arrivò in cima al K2.

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Dapper Dan è uno stilista newyorkese dei più famosi grazie alla sua introduzione, nel mondo dell’alta moda, dello stile hip pop: attraverso i capi customizzati ha avuto tra i suoi clienti i più grandi nomi del rap internazionale. Tra questi LL Cool J, e Jay-Z.

Nella campagna primavera estate 2022, il marchio, si fa portatore di temi piuttosto importanti: ambientalismo, diritti delle donne oppure giustizia sociale.

 All’interno di questa linea guida Dapper Dan e Gap hanno collaborato a un’edizione speciale di felpa con cappuccio “DAP GAP“. Il design presenta il carattere iconico di Gap fuso al nome dell’artista su una felpa impreziosita dalla presenza dell’arch logo del brand. L’articolo, in edizione limitata, sarà disponibile esclusivamente online a partire dal 10 marzo.

Le immagini della campagna sono state scattate dalla fotografa Zoey Grossman: risalta il debutto della felpa “Dan Gap” indossata proprio dallo stilista di Harlem.

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Supreme x Burberry, nuova collaborazione.

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Supreme torna con una nuova collaborazione, stavolta con il luxury brand Burberry.

Dopo le varie anticipazioni e la presentazione ufficiale avvenuta lunedì, la collezione sarà finalmente disponibile il 10 marzo negli store Supreme e online alle ore 17:00.

Questa partnership segna la chiusura di un cerchio perché, come i più appassionati ricorderanno, Supreme creò una serie di box logo che riprendevano il motivo quadrettato associato a Burberry già nel 1997. Il fatto che adesso i due brand abbiano lavorato insieme ufficialmente è un’ulteriore dimostrazione di quanto il mondo dello streetwear in generale e Supreme in particolare siano ormai realtà consolidate all’interno dell’universo fashion.

La capsule comprende sia indumenti casual che silhouette classiche di Burberry. Felpe, t-shirt, cappellini e tavole da skate vengono accostate a polo da rugby, camicie e trench. I materiali variano invece dal denim, al cotone, alla pelle fino ad arrivare alla seta.

The gallery was not found!

Non mancheranno nemmeno le dinamiche di marketing tipiche di Supreme. I due cappellini Crusher e 6-Panel usciranno in una data ancora da definire, e i coordinati di pelle e di seta saranno disponibili solamente in nelle principali boutique Burberry situate a Parigi, New York, Los Angeles, Tokyo, Seul, Hong Kong e Shangai. Il marchio di Jebbia rilascerà anche un set di adesivi Box Logo che accompagneranno la collaborazione.

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Supreme ha scelto Tremaine Emory come direttore creativo

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Su 81 look, 48 sono caratterizzati da tonalità total pink. Del resto cos’altro ci si poteva aspettare dalla collezione prêt-à-porter Valentino autunno/inverno 2022-23 intitolata “Pink PP Collection”.

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Il direttore creativo Pierpaolo Piccioli ha collaborato per il suo ultimo show, tenutosi durante la Paris Fashion Week a Le Carreau du Temple, con Pantone Color Institute creando una nuova sfumatura di rosa denominata appunto “Pink PP”.

Contrariamente a quanto si potrebbe pensare, il minimalismo voluto dal designer rende ogni look tutt’altro che banale. Nessuna silhouette passa inosservata, nemmeno le restanti 33 proposte in total black. Dietro la scelta di Piccioli si cela un messaggio di grande inclusività: «L’annullamento cromatico consente l’amplificazione della varietà dei corpi, degli atteggiamenti, delle fisicità». Modelli e modelle sfilano indossando sia outfit completamente rosa che completamente neri e, come dichiarato dallo stilista: «non vedi il genere ma solo le persone».

Paillette, lustrini, fiocchi, piume, trasparenze e ricami rendono la collezione originale e interessante, ogni capo risulta essere diverso grazie ai materiali e alle linee che lo caratterizzano ma senza mai sovrastare chi lo indossa. «Ogni pezzo della collezione ha un suo processo di design, come ogni capo nasce dal rispetto delle persone. L’abito non deve semplicemente coprire il corpo» spiega Piccioli.

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Il tributo di Balenciaga all’Ucraina

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Ultimamente abbiamo parlato spesso di Balenciaga. Sia per l’attesissimo show che si è tenuto ieri, domenica 6 marzo, durante la fashion week di Parigi, sia per quanto riguarda la solidarietà che il brand ha mostrato nei confronti dell’Ucraina tramite il suo profilo Instagram ufficiale.

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Ma cancellare tutti i post per condividerne uno rappresentante i colori della bandiera Ucraina è stato solo un piccolo gesto tra i tanti effettuati da Demna Gvasalia. Il designer ha infatti deciso di dare inizio alla sfilata per la stagione autunno/inverno 2022 recitando una poesia in ucraino.

 

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Demna ha anche pubblicato una storia sull’account Instagram del brand in cui raccontava quanto questa guerra sia motivo di sofferenza per lui che viveva come un rifugiato in Ucraina e Mosca prima di stabilirsi a Dusseldorf. Ha, infine, motivato la sua decisione di non cancellare la sfilata, nonostante inizialmente avesse pensato di annullarla, scrivendo: “Questo show non ha bisogno di spiegazioni. È una dedica al coraggio, alla resistenza, e alla vittoria dell’amore e della pace.”

Ed è stato esattamente così. Balenciaga ha posizionato magliette gialle e blu, i colori nazionali ucraini, su ciascuno dei 525 posti a sedere degli ospiti, insieme ad un biglietto da parte del direttore artistico in cui dichiara che nonostante in questo momento storico “la settimana della moda sembri una sorta di assurdità”, annullare lo spettacolo avrebbe significato “arrendersi al male che mi ha già ferito tantissimo per quasi 30 anni”.

Anche la produzione dello spettacolo ha assunto un significato totalmente diverso da quello pensato sei mesi fa durante la sua programmazione. I modelli che camminavano con difficoltà in mezzo ad una bufera di neve dovevano inizialmente essere un elemento di denuncia verso l’emergenza climatica. “Si trattava di ciò che la neve potrebbe significare in futuro. E con il futuro, voglio dire ora – quando ci sono stazioni sciistiche che non hanno più neve”, ha dichiarato lo stilista. “Ma poi ha assunto un significato completamente diverso, a causa della crisi in cui ci troviamo.” In tanti hanno infatti visto nello show un riferimento ai rifugiati ucraini che scappano dalla guerra con solo pochi beni necessari, in cerca di salvezza.

Il brand ha anche aperto una raccolta fondi a sostegno del popolo ucraino.

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Yeezy x Gap x Balenciaga è fuori 

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Nike ha collaborato con il rapper Drake ad un paio di sneakers in uscita a marzo, le NOCTA Hot Step Air Terra. Tuttavia, prima di questa uscita, era stata programmata quella delle NOCTA x Nike Air Force 1 Low “Certified Loverboy”, inizialmente prevista in contemporanea all’uscita dell’omonimo album.

L’uscita della sneaker dedicata a Certified Lover Boy potrebbe essere stata annullata definitivamente dopo i numerosi rinvii a causa di problemi di produzione. Tuttavia, Nike deve ancora confermare o negare la possibilità di uscita di un drop in edizione limitata delle scarpe.

L’unica certezza è che la collaborazione con Drizzy è molto attesa dai fan, considerato anche il fatto che durante l’uscita del suo ultimo album sono state fatte circolare molte foto del merch. Nel caso delle Air Force 1 Low la sneaker classica presenta alcune modifiche che celebrano il tema CLB. Disponibili in una colorazione “Triple White”, le sneakers sono realizzate in pelle martellata di alta qualità, i tradizionali segni “AIR” sull’intersuola sono stati scambiati con il testo corsivo che recita “Love You Forever” e le solette sono state sostituite da quelle co-brandizzate.

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Svelata la collaborazione tra Gucci e Adidas

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Durante la Milano fashion week, Gucci ha svelato la sua collaborazione con Adidas.

In una sfilata nella cornice di una sala completamente circondata di specchi è stata svelata la collaborazione tra i due marchi, una collab rafforzata dalla presenza alla serata dell’ex tennista Stan Smith.

Il logo Gucci si accosta alle tre strisce bianche e alla foglia del marchio tedesco. Le iconiche tute rosse dei Tenenbaum, cuffie da piscina o cappellini da baseball e corsetti che ricordano lo swimwear compaiono in una versione quasi couture.

La parola d’ordine delle sfilate durante la fashion week era: “stupire” e Gucci e Adidas ci sono riusciti. I due brand hanno portato alla luce una collezione in grado di saper bilanciare alta moda e sportswear alla grande, senza cadere nel kitsch. Probabilmente Gucci vorrebbe arrivare ad un range maggiore di consumatori e Adidas avvicinarsi a qualcosa di più elitario, per tali ragioni i brand decidono, solitamente, di collaborare. La combinazione dei loghi è davvero efficace e i modelli in stile assolutamente adeguato ad entrambi i marchi.

Stando così le cose sembrerebbe che i due marchi si siano estesi a quello che vorrebbe essere un bacino più ampio di consumatori rendendosi al tempo stesso assolutamente moderni senza mai, nel caso di Gucci, perdere quel tocco di storica impronta del marchio che lo ha reso famoso nel 1921.

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North Face Urban exploration

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Dopo l’ultima uscita della capsule collection Autunno/Inverno 2021, The North Face Urban Exploration debutta con una nuova serie di concept intitolata “Undyed Collection.”

La collezione comprende giacche con cappuccio, pull-over ma anche accessori come cappellini, da baseball e a secchiello. Tutti i prodotti sono rivestiti con materiali GORE-TEX che li rendono resistenti e impermeabili. La linea rispetta perfettamente la politica del brand “Do More With Less“, che significa ottenere il massimo dell’efficienza dei prodotti limitando il consumo di risorse e materiali, senza però rinunciare alla qualità.

Il nome della collezione è dovuto al fatto che non vengono utilizzati coloranti nella produzione degli indumenti. La parte esterna è completamente bianca mentre quella interna è composta da materiali idrorepellenti neri.

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Nuova collaborazione tra NIGO e VERDY in uscita il 23 febbraio

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YEEZY torna con una nuova collaborazione con il marchio Gap, con il quale aveva già lavorato la scorsa estate, e coinvolge stavolta anche il luxury brand Balenciaga.

In occasione dell’uscita del suo nuovo album, Donda 2, Ye ha rilasciato anche la nuova collezione del suo brand YEEZY, creata assieme a Gap e al direttore creativo di Balenciaga, nonché suo caro amico, Demna Gvasalia.

Il lancio è avvenuto il 23 febbraio in coincidenza con il listening party ufficiale dell’album tenutosi a Miami e i pezzi sono disponibili online sul sito web di YEEZY Gap e su Farfetch.

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Nella prima collaborazione tra YEEZY e Gap erano presenti solo pochi articoli selezionati, tra i quali ricordiamo la “perfect hoodie” e le round jacket, rilasciate in diverse colorazioni.

Questa volta l’assortimento dei prodotti è ben più ampio. La collaborazione, denominata “YEEZY Gap Engineered By Balenciaga” comprende infatti non solo felpe e t-shirt con il simbolo della colomba, che rappresenta il percorso spirituale intrapreso da Ye negli ultimi tempi, ma anche pantaloni sportivi e completi in denim che si avvicinano molto all’estetica utilizzata dall’artista durante la Men’s Fashion Week di Parigi.

Nonostante le aspettative a riguardo fossero molto alte, vista la fama dei brand coinvolti e l’enorme capacità di marketing, non tutti gli acquirenti si sono rivelati pienamente soddisfatti del rapporto qualità-prezzo dei prodotti offerti dalla prima collaborazione YEEZY x Gap. Con il subentro di Gvasalia nella direzione creativa il livello dovrebbe essere aumentato. Fino ad ora, tuttavia, le opinioni a riguardo sono contrastanti. Mentre da un lato molti fan sono entusiasti di seguire la linea estetica proposta dai designer, dall’altro la collezione non sembra avere un’identità precisa, dimostrando che il connubio tra tre team differenti non è sempre semplice da realizzare. Il rischio di risultare troppo appariscenti o troppo anonimi è alto.

Non è la prima volta che designer di alto livello lavorano con brand più accessibili. In passato abbiamo visto ad esempio le innumerevoli collaborazioni di H&M con brand di lusso come Balmain, Karl Lagerfeld, Moschino e Jimmy Choo, anch’esse tutte caratterizzate da prezzi ben più alti rispetto a quelli standard proposti da H&M. Lo stesso accade per la collezione YEEZY Gap Engineered By Balenciaga che non risulta essere accessibile proprio a tutti. È giusto però anche sottolineare che la collaborazione è stata ideata per essere esclusiva e che comunque permette agli appassionati di avere dei pezzi firmati da designer come Ye e Demna Gvasalia.

Il marketing effettuato dal rapper, inoltre, è stato geniale poiché ha aumentato l’hype nei confronti dell’uscita del suo album e del drop della collezione semplicemente facendo in modo che si alimentassero a vicenda. La comunicazione vincente di Ye potrebbe portare al rapido sold-out della linea appena lanciata.

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IUTER e Slam Jam collaborano in un progetto che ha lo scopo di esaltare i luoghi più interessanti e spesso sconosciuti dal grande pubblico, di Milano, città in cui entrambe le realtà sono nate.

La collaborazione si svilupperà in più parti. Protagonista del primo evento sarà la Trattoria del Pescatore di Via Atto Vannucci 5, considerata un punto di riferimento culinario milanese dal 1976.

In occasione del lancio verrà rilasciata una capsule collection in edizione limitata che comprende t-shirt in più colorazioni con le grafiche del Designer e Art Director Daniele Sansavini. Nella trattoria, per tutta la settimana, sarà inoltre possibile scegliere tra le proposte di un menù speciale ideato appositamente per l’evento.

Le t-shirt saranno disponibili dal 24 febbraio online e nello store Slam Jam.

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Il 2022 sembra essere l’anno delle collaborazioni, una moda lanciata già nel 2001 da Louis Vuitton con la prima collaborazione con Stephen Sprouse (ripresa anche nel 2009 per rendere omaggio al’artista) per finire alla più recente collaborazione del noto marchio francese con Nigo per la pre spring colletion 22.

Dopo questa introduzione non ci resta che addentrarci nei dettagli delle ultime, nuove, collaborazioni in vista della primavera!

Il nostro elenco inizia con la dinamica collab di Dior e la leader mondiale nelle tecnologie digitali sportive e attrezzatura di alta classe, Technogym. In vendita nei pop up store di Dior, dal gennaio 2022, si possono trovare principalmente tre tipi di attrezzi con il marchio della maison, la stella di Dior appare infatti nell’edizione limitata del tapis roulant, panca per esercizi e la ball bianca con rinforzo antiscivolo.

Innovativa la collezione, il cui lancio è previsto per giugno, di Yeezy Gap per Balenciaga: minimalismo urbano e nuovi materiali, una collaborazione che è una vera e propria sfida, coinvolge un pubblico più ampio di compratori diventando, all’interno di questa zona franca degli anni 2021-2022 che è la collaborazione tra stilisti, un trampolino di lancio per spingersi oltre i confini.

I quarant’anni di Michael Korks non potevano essere celebrati in modo migliore: una collaborazione con un brand giovane, nuovo, fresco come è Ashya. Ashley Cimone e Moya Annece hanno fondato questo brand di accessori che è lo specchio della moda emergente, moda che il brand statunitense ha deciso di promuovere e affiancare, cominciando con la creazione di due borse limited edition.

Per ritornare nell’ambito dello sportswear troviamo due collaborazioni decisamente di peso: North Face per Gucci e Prada per Adidas; con Adidas non sono nuove le collaborazioni con i grandi marchi della moda, e un esempio recente è la collaborazione con Stella McCarthney.

Nel caso di North Face per Gucci troviamo uno stile che è un ritorno, questa tra Alessandro Michele e la nota marca di abbigliamento outdoor è infatti la seconda collab. I riferimenti al passato del marchio si fondono con le linee moderne dello stile di avventuriero urbano che North Face ha proposto per quest’anno.

Per quello che riguarda Prada, invece, viriamo verso una collaborazione nel segno della sostenibilità. I due marchi infatti hanno creato una linea sportiva, decisamente rivoluzionaria in fatto di materiali: quest’anno, infatti, i capi d’abbigliamento e gli accessori saranno tutti prodotti in Italia e con il tessuto hi-tech brevettato da Prada che sostituirà completamente il nylon vergine tipico dell’azienda.

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Dopo il successo della loro ultima collaborazione “Last Orgy 2.1”, che coinvolgeva anche Jun Takahashi, NIGO e VERDY tornano con un nuovo progetto.

I due designer hanno infatti pubblicato sui loro rispettivi profili Instagram, alcune foto che li ritraevano mentre indossavano due giacche della collezione HUMAN MADE x Girls Don’t Cry.

La prima, in stile college, è di tela blu con maniche trapuntate bianche e polsini fucsia e bianchi. Sul davanti è presente un taschino bianco e in alto a destra la scritta HUMAN MADE che riprende quella sul retro. Nella parte posteriore al centro troviamo la scritta Girls Don’t Cry all’interno del logo HUMAN MADE a forma di cuore.

 

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La seconda giacca, anch’essa in stile college, è verde scura con il personaggio VICK di VERDY ricamato sulla schiena e sul petto. Sulle maniche sono ricamate le lettere e il logo di HUMAN  MADE.

 

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Sotto i post da loro pubblicati, NIGO e VERDY annunciano anche la data di uscita: 23 febbraio 2022.

La collezione presto disponibile prevede un assortimento di molti prodotti, oltre alle giacche mostrate come anticipazione.

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Il nuovo direttore creativo del brand Supreme è Tremaine Emory.

La VF Corporation ha acquistato il marchio fondato da James Jebbia nel 2020 e ha dichiarato di voler raggiungere un fatturato di 600 milioni entro l’anno fiscale 2022. Pertanto, la scelta di Emory come nuovo direttore creativo a pochi giorni di distanza dalla presentazione della collezione primavera/estate 2022 non sembra essere affatto casuale.

Il designer, che ha lavorato in passato con Virgil Abloh e Kanye West, è attualmente uno dei volti più promettenti nel mondo streetwear, anche grazie alle collaborazioni di successo effettuate con brand celebri come Levi’s e Converse. La sua esperienza lavorativa è sicuramente necessaria per un compito difficile come quello che gli è stato assegnato, in quanto Supreme fino ad ora non ha mai avuto una vera e propria direzione creativa. Emory sta già lavorando alle nuove collezioni, tramite le quali dovrà rivoluzionare il brand senza però snaturarlo.

Lo stilista, tuttavia, non si dedicherà esclusivamente alla direzione di Supreme, continuando a gestire parallelamente Denim Tears, il marchio da lui creato.

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Ennio Capasa, noto nel settore moda per aver fondato il brand Costume National nel 1986 insieme a suo fratello Carlo, ha aperto la nuova azienda Capasa Milano. Dopo aver ceduto il marchio al gruppo di investimento nippo-cinese Sequedge nel 2016, il designer fa un grande ritorno, inaugurando la fashion week di Milano, che si terrà dal 22 al 28 febbraio, con una nuova collezione intitolata “Before it starts”.

Nonostante la novità che caratterizza l’evento, il direttore creativo manterrà lo stesso approccio e gli stessi valori. Suo fratello, inoltre, farà parte anche di questo nuovo progetto ma svolgerà stavolta un ruolo meno operativo. Sarà una new entry, invece, ad occuparsi della componente business e marketing: sua sorella Rita.

Capasa ha fatto della sua famiglia la sua forza ma un altro elemento fondamentale nel suo percorso lavorativo è costituito dalla città di Milano, in cui vive dall’età di 18 anni e che ritiene essere la sua storia, oltre che il luogo ideale in cui creare moda.

Il brand verrà presentato al Teatro degli Arcimboldi e la sua distribuzione avverrà inizialmente online. La collezione comprenderà proposte sia maschili che femminili con un range di prezzo veramente ampio. Il ready-to-wear sarà realizzato esternamente mentre la produzione delle calzature verrà affidata al gruppo HIM Co- High Italian Manufacturing.

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Dopo il grande successo riscontrato lo scorso dicembre a Parigi, Jacquemus ha annunciato l’imminente apertura di un pop-up store a Milano.

Il designer Simon Porte Jacquemus aveva esordito con un concept davvero interessante proprio nella capitale francese, proponendo uno store aperto 24h su 24 e sempre attivo, proprio come un distributore automatico. Il negozio ha colorato il 16 di rue de Richelieu con le sue tonalità hot pink. Per effettuare l’acquisto è sufficiente completare la transazione con la carta di credito così da poter ricevere il numero corrispondente all’armadietto contenente il prodotto desiderato ed il relativo codice di apertura.

«Non si tratta solo di acquistare: è anche un’esperienza, un concept. L’idea è di rompere le frontiere nel mondo del lusso. Vogliamo che entriate sentendovi benvenuti e che abbiate una bella esperienza a prescindere da cosa farete all’interno, potete anche semplicemente passare e fare una foto. Questo è Jacquemus», dichiara il brand tramite Instagram stories.

Il pre-opening della boutique a Milano si terrà dal 24 al 27 febbraio con una nuova colorazione e nuovi prodotti, portando avanti un innovativo modo di fare retail.

Se desiderate acquistare online i prodotti di Jacquemus uomo e donna trovate una grandissima scelta su SHOPenauer ai seguenti link:

Jacquemus Donna

Jacquemus Uomo

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La 56esima edizione del Super Bowl è stata sicuramente memorabile, non solo grazie alle star che si sono esibite al fianco di Dr. Dre durante l’halftime show ma anche per merito degli outfit da loro indossati.